Con curaduría de Javier Villa y Marcos Krämer, A 18 minutos del Sol recorre el territorio argentino, desde el Chaco salteño hasta la Patagonia, con trabajos de más de cien artistas argentinos, contemporáneos e históricos, tanto de raíces culturales indígenas como occidentales, para entender cómo es el mapa que creamos, desde el sur, con el fin de acercarnos a las estrellas y sus reflejos y construir una historia decolonial de los cielos. ¿Podemos utilizar nuestra relación con el cielo para desandar los relatos coloniales? El curador de la exposición, Javier Villa, nos dice: “La exploración humana del cielo abrió interrogantes sobre ese espacio que no debería tener dueños, pero que puede ser conquistado por grandes corporaciones: ¿con qué medios contamos para acceder al cosmos?, ¿el espacio exterior a nosotros mismos puede funcionar como un espejo para vernos desde afuera y re-imaginarnos social y políticamente?, ¿qué aportes sustentables e imaginativos a la exploración podemos ofrecer desde el Sur?” Silvia Gurfein. Deleuze, 2013. Óleo sobre tela Para responder a estas preguntas, A 18 minutos del Sol se abre al espacio exterior a partir de las imágenes artísticas desde tres perspectivas diferentes e interconectadas: la ciencia, las cosmologías indígenas y la espiritualidad.  En torno de cada uno de estos centros de interés orbitan diversos artistas argentinos de territorios y generaciones distintas que establecieron conexiones profundas con las cosmovisiones del cielo, desde perspectivas y objetivos propios. La primera sala se centra en la perspectiva indígena del cielo y la Tierra y su sistema de interrelaciones, de ascenso y descenso, de reflejos e inversiones. No sólo presenta mitos y modelos ancestrales del cosmos, sino también sus relaciones con el territorio y sus conflictos: genocidios, desmontes, incendios. La segunda sala, nos presenta utopías y distopías, donde raíces artísticas latinoamericanas y europeas dialogan con los lenguajes universales de la abstracción y sus conocimientos científicos y espirituales, y presenta imaginarios donde se expone la divulgación popular de la conquista del espacio durante la Guerra Fría y la amenaza del actual extractivismo corporativo tanto en la Tierra como en el espacio. Artistas participantes: Erik Arazi, Nicolás Bacal, Gonzalo Beccar Varela, Antonio Berni, Diego Bianchi, Erica Bohm, Martha Boto, Manuel Brandazza, Adriana Bustos, Colectivo Cabezudxs, Feliciano Centurión, Mauricio Cerbellera, Elda Cerrato, Germain Derbecq, Sebastián Diaz Morales, Diana Dowek, Faivovich & Goldberg, Beatriz Ferreyra, Pauline Fondevila, Lucio Fontana, Raquel Forner, Gertrudis Frischenschlager, Daniel García, Carlos Luis García Bes, Maia Gattás Vargas, Noemí Gerstein, Sebastián Gordín, Víctor Grippo, Diego Gravinese, Alberto Greco, Silvia Gurfein, Miguel Harte, Alberto Heredia, Alicia Herrero, Alfredo Hlito, Agustín Inchausti, Enio Iommi, Gyula Kosice, Fernanda Laguna, José Luis Landet, Benito Laren, Daniel Leber, Lux Lindner, Raúl Lozza, Lea Lublin, Víctor Magariños D., Liliana Maresca, Juan Melé, Sebastián Mercado, Estanislao Mijalichen, Mauro Millán, Emiliano Miliyo, Ad Minoliti, Eduardo Molinari, Eduardo Navarro, Héctor G. Oesterheld, Ogwa, Martha Peluffo, Alicia Penalba, Andrés Pereira Paz, Emilio Pettoruti, Duilio Pierri, Alberto Pilone, Micaela Piñero, Rogelio Polesello, Marcelo Pombo, Emilio Renart, Francisca de los Reyes, Ingrid Roddick, Federico Roldán Vukonich, Christian Román, Hernán Salvo, Damián Santa Cruz, Rubén Santantonín, Mario Scorzelli, Francisco Solano López, Xul Solar, Cecilia Sosa, Grete Stern, Axel Strachnoy, Diana Teira, Julián Terán, Colectivo Thañí/Viene del monte, Andrés Toro, Joaquín Torres García, Rodrigo Túnica, Adrián Unger, Georges Vantongerloo, Gregorio Vardánega, Mariano dal Verme, José Villalonga, Wüsüwül Wirka A Pana, Osías Yanov, Yente.   *A 18 minutos del Sol lleva el título del disco de Luis Alberto Spinetta y hace referencia a un punto del espacio más alejado de la Tierra, entre Marte y Júpiter. La muestra integra el programa anual de exposiciones del Moderno, El arte, ese río interminable.   Imagen: Christian Roman. Detalle de (Á)ngel - Tríptico S.A.B de la serie “Guía angelical”, 2022-23, lápices y lapicera sobre papel. ​​​​​​ Del 3 de junio al 31 de julio. Puede visitarse lunes, miércoles, jueves y viernes de 11 a 19; sábados, domingos y feriados de 11 a 20. Martes: cerrado.  Entrada general: 50 pesos para visitantes residentes en Argentina. Miércoles: entrada gratuita para público general.  Museo de Arte Moderno (San Juan 350).

Fotografías de Germán Romani. El teatro, la transformación, el paso del tiempo y, sobre todo, el proceso creativo y la consecuente huella que deja impresa en el cuerpo, son los temas que atraviesan esta muestra de Germán Romani. El teatro, la transformación, el paso del tiempo y, sobre todo, el proceso creativo y la consecuente huella que deja impresa en el cuerpo, son los temas que atraviesan la muestra de Germán Romani. “Decidí ir al corazón del artista y al que considero su espacio sagrado: el camarín”, dice el fotógrafo. “Allí encontré el elemento que, en mi fantasía, cataliza el proceso de entrada y salida del actor con el personaje y su máscara: el espejo”. Una cámara subjetiva muestra lo que ve cada uno de los actores y actrices retratados frente al espejo, antes de salir a escena e inmediatamente después de representar su personaje. En ese instante de intimidad en el que se encuentra a solas consigo mismo. Y entre una y otra, el observador puede además imaginar “la foto del medio”, aquella que no aparece en el díptico, pero sin dudas el actor experimentó. “Para los actores y las actrices, el entrar y salir de una función de teatro es siempre un misterio enorme”, afirma el director teatral Rubén Szuchmacher, quien escribió el texto de sala sobre esta nueva muestra que se exhibe en la FotoGalería del San Martín. “La escena es ese lugar en donde personas comunes se transforman en otra cosa. Seres humanos reales ceden su materia a los personajes y no importa cuál sea su modo de actuar o el estilo de los espectáculos. Esos cuerpos llenos de vísceras, órganos, carne y agua, se convierten en objetos ficcionales. Estos restos, las huellas que devuelve el espejo, están para mostrar un momento que tal vez pase desapercibido para la mayoría de las personas. “En 1860, Oliver Wendell Holmes hablaba de la fotografía como un espejo con memoria”, afirma Romani. “Esa cita describe metafóricamente este proyecto: un instante, un segundo que deja en nuestra memoria aquello que el artista dejó para siempre”. Fotógrafo, diseñador gráfico y artista plástico, Germán Romani se formó en la Escuela de Argentina de Fotografía (EAF) y tomó cursos con maestros argentinos como Ataúlfo Pérez Aznar, Eduardo Gil, Carlos Galeano y Viana Zargón, entre otros. Dedicó buena parte de su trabajo al diseño de imagen en el área editorial y la publicidad. Integró los equipos de las revistas Elle y Harper's Bazaar de Argentina, y participó en libros de la editorial Planeta además de realizar trabajos fotográficos en el área audiovisual, en particular para Netflix. Actualmente coordina el área de diseño de la revista La Carte para Alemania y es director de arte en L´Officiel Argentina y Forbes Uruguay.   Del 4 de junio al 30 de julio. Puede visitarse de martes a domingos de 14 a 20. Entrada gratuita. Foto Galería del Teatro San Martín (Avda. Corrientes 1530).

La presencia de la arquitectura es una constante en la obra de Jorge Miño. Fundamentalmente, los interiores de las edificaciones. “Me interesa lo espectral en lo sólido, el vacío en lo lleno, lo abstracto que se esconde en lo muy concreto”, confiesa el fotógrafo. Tal vez por eso su insistencia en los trayectos y en las zonas de pasaje, la proliferación de escaleras: instrumentos para desestabilizar los espacios y desatar la imaginación. Para la apertura de la temporada 2025 de la FotoGalería —que este año festeja su 40º aniversario— Miño exploró el interior del Teatro San Martín, verdadero emblema de la arquitectura racionalista en Buenos Aires. Esta muestra resulta asimismo oportuna ya que durante 2025 tendrá lugar otro aniversario: el 65° de la inauguración del Teatro San Martín, cuyo magnífico edificio resulta en sí mismo la primera y más deslumbrante expresión artística que el teatro tiene para ofrecer a su público. Jorge Miño (Corrientes, 1973) se formó con Alejandro Kuropatwa, Martín Weber y Alberto Goldenstein, participó en el workshop de fotografía contemporánea de Malba-Jumex, dictado por Pablo Vargas Lugo, y de la residencia Intercampos, dictada por Victoria Noorthoorn, Dino Bruzzone y Patricia Hakim. Entre sus muestras más destacadas figuran “De un universo a otro” (Espacio 34_35, Palacio Barolo, Buenos Aires, Argentina, 2024), “Perfectly synchronized movements” (Lois Lambert Gallery, Los Ángeles, Estados Unidos, 2024), “¿Y si la forma no fuera un límite?” (Galería Enlace Art, Lima, Perú, 2024), “La forma de vida de las hojas” (Galería Almanaque, CDMX, México, 2023), “Vestigios de lo concreto” (Arthaus, Buenos Aires, Argentina, 2023), “Vertical Landscape” (Dot Fiftyone, Miami, Estados Unidos, 2023), “Al mismo tiempo, todo, en todos lados” (Ungallery, Buenos Aires, Argentina, 2022), Balance (Lois Lambert Gallery, Los Ángeles, Estados Unidos, 2022), “Lo invisible” (Galería Ungallery, Buenos Aires, Argentina, 2019), “El sentido de un comienzo” (Galería Enlace, Lima, Perú, 2018), Geometrías derivadas (ex Palacio de Correos, curaduría Massimo Scaringella, Buenos Aires, Argentina, 2018), “Volúmenes del vacío” (Galería Praxis, Buenos Aires, Argentina, 2016), “Todo lo que ha existido perdurará en la eternidad” (Galería Dot Fiftyone, Miami, Estados Unidos, 2016), “El umbral invisible: donde los finales se vuelven comienzo” (Centro Cultural Recoleta, curada por Gabriela Urtiaga, Buenos Aires, Argentina, 2015). Participó de muestras colectivas entre las que se destacan: 14th Bienal de Curitiba 2019 (Brasil), “Relazioni estetiche” (Villam, Reggia di Caserta, Italia, 2018, curada por Massimo Scaringella), “Enigma da visão” (Museu de Arte Cascavel, Cascavel, Brasil, 2018, curada por Massimo Scaringella y Luiz Carlos Brugnera), “Ficciones de un tiempo infinito” (ex Palacio de Correos, Buenos Aires, Argentina, 2016), “Huella” (Parque de los Laberintos, Tecnópolis, 2016), “Haussmannization” (Galería Dot Fiftyone, Miami, Estados Unidos, 2014), “Argentina en México” (Museo MACAY, Mérida, 2013), “Oxímoron” (Fundación Proa, curaduría de Daniel Molina, 2012). En 2011 recibió una beca del Fondo Nacional de las Artes y una Mención del Jurado en el Salón Nacional de Fotografía. También ganó el Segundo Premio en la Tercera Bienal de Fotografía de la Fundación Arte x Arte y en 2015 recibió la Medalla de Oro por una instalación en Casa Foa, realizada en conjunto con el Estudio Martín Zanotti. En 2010 obtuvo el Tercer Premio del Banco Itaú, Buenos Aires, Argentina. En 2019 publicó Transversal, su primer libro de obra, en colaboración con el escritor y ensayista argentino Marcelo Cohen.   Del 11 de marzo al 30 de abril. Puede visitarse de martes a domingos de 14 a 20. La entrada es libre. Fotogalería del Teatro San Martín (Corrientes 1530).

Una serie de instalaciones, desplegadas en el espacio en mesas y paredes, agrupan maquetas realizadas en acrílicos cortados con láser que forman escenas conectadas entre sí con una fábula como narrativa que el espectador va a explorar a medida que recorre la sala. Los visitantes descubrirán que Acrilia está integrada por  escenas mágicas y tenebrosas donde adentrarse: Bosque encantado, Bruma, Migraciones, Inundación, Circo, Zoológico, Parque de diversiones, Trampa y Fiesta de Hongos. Personajes de la fábula pequeños y minuciosos serán presentados al visitante de manera inusual. La fábula, escrita por la artista, es el hilo conductor que guiará el recorrido. Acrilia da visibilidad a casi medio centenar de obras, dispuestas en el Centro Cultural, una propuesta contemporánea que permite a los espectadores bucear en el trabajo de Rascovsky y también hacer nuevas lecturas sobre la obra de Borges en el contexto de esta conversación. Las obras que conforman ACRILIA son realizadas con sobrantes, retazos y descartes de acrílico que la empresa Paolini le cede a la artista. Ella, con cautela, minuciosidad y aprovechando al máximo cada centímetro del acrílico, se inserta de este modo en la cadena de producción como un engranaje más. Asimismo Rascovsky, reutiliza su propio sobrante para la realización de talleres o los propios negativos de sus obras; y, por último; el sobrante final lo restituye a la empresa para su reciclado. La exposición tiene como objetivo mostrar los hallazgos descubiertos durante la expedición Ataraxia, dirigida por la eminente científica Dra. Lina Schultz, en las remotas cuevas de Kavac, ubicadas en el norte de Venezuela. Los especímenes de Acrilii expuestos en esta muestra representan la última descendencia de una civilización extinta que se desarrolló en la región entre los años 2000 y 2020: Acrilia. Estos especímenes- los Acrilii- de los cuales se han descubierto 216 ejemplares del mismo reino (Animalia), presentan una variación sin precedentes en su clase.   Como bien señaló el destacado zoólogo japonés, Dr. Hiroshi Nishioka, «los Acrilii son animales complejos, que presentan una estructura única en el reino animal. Cada uno de ellos está conformado por piezas individuales, lo que les confiere una identidad propia y particular, ya que logran redefinirse al separar sus partes». Este aspecto ha sido objeto de estudio por parte de diversos científicos, quienes han analizado la morfología y la anatomía de estos animales, así como sus interacciones con el entorno. Durante la expedición se encontraron, junto con estos especímenes, una gran cantidad de documentos gráficos y escritos, entre los que se incluyen planos, textos y bocetos que permitieron reconstruir la historia de dicha civilización. Este proceso fue llevado a cabo por un equipo de profesionales, que colaboraron en la elaboración de esta exposición.  La exposición ofrece una narración de la historia de la civilización de Acrilii, incluyendo sus cuentos, personajes, creencias, sonidos y detalles que conformaban su cultura. Asimismo, se complementa con un sitio web – acrilia.net- donde se alojan los Documentos Encontrados y demás material obtenido en la expedición. En resumen, esta exposición ofrece una fascinante mirada sobre una civilización extinta y sus especies, proporcionando información sobre su entorno y hábitat, destacando su importancia en la comprensión de la evolución y adaptación de las especies a su entorno.   Del 18 de mayo al 10 de agosto. Puede visitarse de miércoles a domingo de 14 a 20. La entrada es gratuita y no requiere reserva previa. Centro Cultural Borges (Viamonte 525).   Fuente: Patricia Ludueña, Prensa y Comunicación Institulciona del Centro Cultural Borges. 

Una  de muestra de Ernesto Ballesteros que reúne las series de dibujos Algo en el espejo opaco y Retratos. Dice Marcela Sinclair en el texto que acompaña la muestra:  Después del choque mandó pintar el tanque de la moto con un ying yang. Está bueno porque lo adaptaron a la forma del tanque, y casi no lo distinguís en la primera mirada. Después de que lo viste una vez, ya está ahí desde siempre, con la curva sinuosa en la parte de arriba separando y conectando el blanco y el negro, con un óvalo del color opuesto en cada costado.... Horas con los anteojos puestos tejiendo al crochet. Como son restos de ovillos hechos de sweaters destejidos, tiene una paleta impensada. Elige un color, le va pegando otro, una lana suave y peluda al lado de otra más gruesa, en combinaciones a veces sutiles, a veces estridentes. Mira los colores bien de cerca y se deja impresionar. Dice que tiene que dejar que las cosas la toquen....Llegan al laboratorio, preparan el material y luego se abocan a la observación en microscopio hasta la pausa para almorzar. Cada cual analiza unas cien placas por día. Entro para renovarles el agua del termo y cada tanto espío esas miniaturas que se mueven apenas entre dos vidrios. Por la ventana entra la luz que viene del parque del hospital. Los árboles la filtran dulcemente.   Del 7 de junio al 15 de julio. Puede visitarse de martes a sábados de 14 a 19 Ruth Benzacar (Juan Ramírez de Velasco 287).  

Una exposición que reúne una selección de obras y documentos de Aída Carballo representativos de su trayectoria artística y, también, de su rol docente. Aída Carballo (Buenos Aires, 1916-1985) fue conocida especialmente por el estilo único de sus grabados en los que combina elementos de la vida cotidiana con un profundo compromiso social. La exposición se organiza en tres núcleos: La Cárcova, que pone en foco su paso por la Escuela Superior de Bellas Artes “Ernesto de la Cárcova”;  El alma de la Ciudad, donde se despliegan sus modos de habitar la urbanidad que, de algún modo, quedaron plasmados en su obra y Entre las aulas y el taller, dedicado a su tarea como maestra. Grabados, dibujos, documentos, cerámicas y fotografías componen el recorrido que ofrece una visión acabada de su legado. La curaduría de la exhibición estuvo a cargo de la investigadora Lucía Laumann, autora del libro Aída Carballo, maestra. Producción gráfica y derroteros institucionales en Buenos Aires en la segunda mitad del siglo XX y es una coproducción del Museo de la Cárcova de la Universidad Nacional de las Artes y del Museo Nacional del Grabado, de la Secretaría de Cultura de la Nación. Se exhiben obras provenientes de diversos museos como el Museo Nacional de Bellas Artes, Museo de Artes Plásticas “Eduardo Sívori”, Museo Provincial de Bellas Artes “Emilio Pettoruti”, Museo Municipal de Artes Visuales “Víctor Roverano” y Museo Nacional del Grabado. Fundación Espigas y colecciones privadas aportaron valiosa documentación y fotografías.   Acompaña la exhibición un programa de visitas guiadas y recorridos temáticos a cargo de la curadora e invitados especiales, talleres y actividades para infancias, diseñados para enriquecer la experiencia de los visitantes y fomentar el diálogo en torno a la obra de Aída Carballo.   Del 10 de agosto al 27 de octubre. Puede visitarse de martes a domingos de 10 a 17. (feriados cerrado). Entrada gratuita. Museo de La Cárcova (Av. España 1701).

Un recorrido por la intimidad de lo cotidiano. Una muestra de la artista Carolina Antoniadis, una destacada referente del nuevo decorativismo, exponente de la defensa de las mujeres de los años 80 y 90. El título de la exposición, curada por Florencia Qualina, alude a un fragmento de un poema de Pier Paolo Pasolini y es una revisión de los primeros trabajos de la artista, que trae al presente con nuevas pinturas hechas especialmente en las paredes, replicando algunos motivos de los cuadros. Ocho obras en distintos formatos realizadas entre los años 1987 y 1991, son colgadas en el marco de estas nuevas ambientaciones, subvirtiendo la clásica relación fondo-figura, donde las paredes, que forman un todo con la obra, se transforman así en el fondo de la misma. “Las pinturas de las paredes son un eco de las pinturas históricas; traen al presente de manera exagerada texturas que conforman la obra y las amplifican, transformando el espacio en una suerte de gran living”, expresa la artista y continua; “es una exposición con cierto contenido poético, una intermitencia en el tiempo, entre el pasado y el presente. Siempre con la permanencia de lo ornamental, que me constituye y acompaña desde mis comienzos, en un ambiente cotidiano íntimo, que actúa como un refugio frente a la incertidumbre y la hostilidad exterior”, revela la artista”.

     

La obra de Antoniadis fue pasando por varios procesos de transformación a lo largo de su carrera. Como rasgo general, la obra se sitúa en un espacio donde conviven la pintura y lo decorativo, límites que la misma artista se encarga de hacer imprecisos. Durante la década de los ochenta, su pintura de interiores domésticos, con planos rebatidos, telas estampadas, distorsiones en la imagen como si fueran vistas a través de una lente "ojo de pescado" y el dominio del color, sin duda daban cuenta de su pasión por la obra de Henri Matisse. “Son obras que hablan de mi casa familiar de la intimidad de lo cotidiano , de rescatar esos momentos de la vida comunes , de detener el tiempo en esos objetos que nos acompañan diariamente; de posar la mirada en lo más simple  de una casa : la mesa,  el final de un brindis en chin chin obra de 1987, de  una canasta con frutas pero con un fondo grafico de lunares negros sobre fondo amarillo que contrasta con la pintura central con tono más expresionista , maniquíes con prendas decorativas que refieren a la moda al diseño”, concluye Antoniadis. Paulatinamente, la artista fue incorporando en su obra cada vez más lo ornamental y decorativo, en una clara alusión a los pintores vieneses del art nouveau, en particular a la obra de Gustav Klimt, visibles en las ropas, en telas ricamente decoradas u objetos de uso interior ornamentados. La ropa y la moda ocupan un rol central, visible en kimonos japoneses con profusos estampados florales, trajes de novia con encajes y puntillas o ropa interior, donde la artista juega con el significado de la palabra “interior”, aplicado tanto a la ropa interior, como a los órganos interiores del cuerpo humano. El humor y la ironía están siempre presentes.   Del 8 de junio al 18 de agosto. Calvaresi (Defensa 1136).

El Museo Nacional de Arte Decorativo presenta la primera retrospectiva dedicada al destacado diseñador y artista decorativo argentino, Alberto Churba.  Entre las décadas de 1960 y 1990 lideró el Estudio CH, firma que transformó la escena de la decoración en el país. La muestra, curada por Sandra Hillar y Wustavo Quiroga, revisa su legado con un enfoque especial en diversas áreas —textiles, alfombras, vidrios, objetos y mobiliario—, todas reconocidas por su elevada calidad plástica y técnica. Como ejemplo de su genio creador, el célebre sillón Cinta forma parte de las colecciones del MoMA de Nueva York y del Victoria & Albert Museum de Londres, entre otras instituciones. La exposición reúne numerosas piezas de colecciones privadas e institucionales que, por primera vez, se activarán junto al autor para narrar su trayectoria, su proceso creativo y el impacto de su obra en la historia del diseño nacional. Los diseños de Alberto Churba marcaron una época y continúan siendo una referencia audaz para las nuevas generaciones. Desde el ámbito familiar, impulsó una práctica de diseño y emprendimiento que trascendió su apellido, dejando una huella indiscutible en la cultura argentina.   Del 11 de julio al 12 de octubre. Puede visitarse de de miércoles a domingos de 13 a 19, con entrada libre y gratuita. Museo Nacional de Arte Decorativo (Av. del Libertador 1902).

Alfredo Alcón es sinónimo de actuación. Su nombre está asociado a lo mejor de la escena nacional y, fundamentalmente, al San Martín, donde interpretó Shakespeare, Lorca, Ibsen. Y el que fue también su último escenario, cuando se despidió definitivamente del teatro y de la vida. Por eso, en este abril de 2024, cuando se cumplen 10 años de su partida, el Teatro San Martín recordará, a partir de una serie de actividades, al formidable actor, pero también a ese hombre sensible, inteligente y querible que fue Alfredo Alcón. En el Hall Central del Teatro San Martín, que desde 2017 lleva su nombre –gracias a una elección de los propios porteños en una votación de la que participaron más de 50 mil personas— se inaugurará la muestra fotográfica Alcón y el San Martín, integrada por 30 fotografías en blanco y negro y de gran tamaño que recorren los mejores espectáculos en los que participó Alfredo junto con retratos de destacados fotógrafos quienes, en diferentes épocas, intentaron capturar ese rostro de belleza clásica y singular. Asimismo, en el mismo Hall se exhibirá el documental Alfredo Alcón. La voz infinita, una producción audiovisual que, a través de fragmentos de sus mejores actuaciones, reflexiones del propio Alcón sobre su oficio y testimonios de actores más jóvenes que compartieron escenario con él, intenta aproximarse al verdadero Alcón, más allá del estereotipo y la glorificación.   Del 11 de abril al 10 de mayo. Entrada libre y gratuita. Hall del Teatro San Martín (Corrientes 1530).

Una selección de pinturas de pequeño y gran formato realizadas por la artista argentina a partir del 2001, con curaduría de Ana Longoni y Carlos Herrera. “La muestra de Alejandra Fenochio convoca a situar la mirada en el tiempo presente”, afirma Andrés Duprat, director del Bellas Artes. “Entre el detalle y el plano general, la artista retrata minuciosamente a una serie de personas cuyas vidas transcurren en los márgenes. Pero Fenochio no pinta a sujetos anónimos. Conoce de primera mano a los protagonistas de sus obras y las situaciones que atraviesan”, indica. “Puestas en conjunto, estas imágenes construyen una trama mayor donde se hacen visibles las problemáticas sociales que tematizan la producción de la artista, quien ha logrado desde hace décadas conectar su práctica artística con el compromiso social y la participación comunitaria”, agrega el director. Fenochio, nacida en Buenos Aires en 1962, se formó en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón y estudió pintura con Luis Felipe Noé. En los años ‘80 y ‘90 participó activamente en el under porteño, y más tarde colaboró en intervenciones de arte político junto con León Ferrari, el grupo Etcétera y organizaciones sociales del barrio de La Boca, donde vive y trabaja desde hace 30 años. En 2021 obtuvo el Primer Premio en Pintura del Salón Nacional de Artes Visuales. En su primera exposición en el Bellas Artes, podrá verse una serie de grandes pinturas con escenas callejeras nocturnas, luego de estar exhibida a la vista de sus vecinos en el puente transbordador Nicolás Avellaneda, que une La Boca con la isla Maciel. La propia artista colgó estas telas en julio de 2023: pensaba dejarlas a lo sumo un mes, y permanecieron allí casi dos años. “En la obra de Alejandra Fenochio, las personas que viven en la calle nunca son anónimas. Son su familia, sus vecinxs, sus amigxs artistas. De este pacto de complicidades múltiples nacen estas instantáneas que siendo ejercicios ficcionales no dejan de ser rotundos y sensibles trozos de mundo alrededor”, opina Longoni. “Ante un paisaje que de tan cotidiano se torna invisible, indiferente, indistinto, nebuloso, los trabajos de la artista nos sacuden invocando presencias incómodas, tan fulgurantes como abismales”, agrega la curadora. Sobre la serie de retratos, la escritora e investigadora apunta: “Fenochio puede demorar en terminar una pintura hasta un año entero, retenida (nunca detenida) en esa historia que lentamente encuentra su forma. Sus retratos siempre empiezan por los ojos. La mirada refulge y se estrella contra quien mira, provocando un obligado ida y vuelta. A partir de esa brecha, la pintura despliega poco a poco el resto sin plan ni boceto previo”. Además, en la sala se presentan las “Naipas”, un juego de cartas feminista que se imprime por primera vez para esta exposición y que la artista comenzó a elaborar en 2016, mientras cuidaba a su padre en un hospital.   Hasta el 8 de junio de 2025.  Puede visitarse de martes a viernes, de 11 a 19.30 (último ingreso), y los sábados y domingos, de 10 a 19.30. Con entrada libre y gratuita. Museo Nacional de Bellas Artes, 2° piso (Av. del Libertador 1473).

El Museo Nacional de Bellas Artes inaugura la exposición Alfredo Hlito. Una terca permanencia, que reúne en las salas 37 a 40 del primer piso más de un centenar de piezas creadas en las últimas décadas de producción del artista argentino, con curaduría de la especialista María José Herrera. La exposición gira en torno a la “efigie”, personaje icónico en la producción de Hlito (Buenos Aires, 1923-1993), que cobró protagonismo en pinturas, dibujos y textos creados desde la década de 1960 hasta sus últimos trabajos. En artículos, ensayos y notas personales, Hlito ‒uno de los fundadores de la vanguardia del arte concreto argentino en los años ‘40‒ reflexionó acerca de las condiciones de la práctica pictórica, el arte argentino y el internacional. Hacia 1964, luego de haberse preguntado por el “tema” en la pintura, la relación entre arte y literatura, y los límites de la representación, un personaje ‒ambiguamente figurativo‒ surgió en el seno de su imagen, hasta entonces abstracta: lo llamó “efigie”. Por entonces, Hlito vivía en México y, desde aquel momento, ese protagonista ficcional que dibujó una y otra vez, que mutó con los años, al que le hablaba y le escribía, al que amaba tanto como odiaba, lo acompañó como “una terca permanencia” hasta el final de su trayectoria. “Puedo verte, Efigie, a través de muros opacos y calles ruidosas. Tranquila y como acechante, me aguardas”, anotó para sí mismo en su diario, en 1977. “En 1987, el Museo Nacional de Bellas Artes organizó una muestra retrospectiva de la obra pictórica de Hlito ‒expresa el director del Museo, Andrés Duprat‒. Hoy, en el centenario de su nacimiento, el Bellas Artes le dedica una nueva exposición, donde se reúnen por primera vez obras, bocetos y textos concebidos bajo el signo de la ‘efigie’, que conformó uno de los períodos más originales de su producción”. Por su parte, Herrera explica: “Esta exposición se vale de las diferentes instancias visuales que Hlito produjo (pinturas, dibujos, textos) para narrar el devenir de su propia mitología de seres de ficción que, no obstante, simbolizan creencias sagradas y profanas de todos los tiempos y culturas. Una cosmogonía de la humanidad que se nutre de los temas y estilos de la historia del arte universal. Símbolos, arquetipos, intuiciones existenciales y premoniciones nos acercan al proceso creativo de un artista en permanente autoanálisis de su práctica y con un oído muy cercano a su inconsciente”.   Puede visitarse del 28 de julio al 15 de octubre de martes a viernes, de 11 a 20, y los sábados y domingos, de 10 a 20, con entrada libre y gratuita. Salas 37 a 40 del primer piso del Museo Nacional de Bellas Artes (Av. del Libertador 1473).

Dice Ticio Escobar sobre esta muestra que cuenta con la curaduría de Osvaldo Salerno:  "El título de esta muestra, toma el nombre técnico de una figura de la medicina forense referida a las lesiones dejadas por un intento de suicidio. Un intento indeciso, dudoso, ante el destino. En el plano del arte, como quizá en el ámbito de lo humano en general, el destino nunca es tal mientras no tenga fecha marcada; mientras pueda, quizá, ser aplazado por una duda vacilante y radical." Quiroz posee formación en Medicina y especialización en Hematología y trasplante de médula ósea y este aspecto de su vida profesional desempeña un rol importante en su obra visual. (…) La escena donde se quiere y se muere es la misma donde se representan el desamor y el impulso vital. Es la propia del arte, que se desarrolla tensado, dislocado, entre la melancolía y el entusiasmo. Las fotografías que integran esta exposición fueron tomadas casi de un tirón, en la misma locación que luego sería espacio de la muestra. En los jardines y las habitaciones donde, como en todos los escenarios, aparecen y se retiran las figuras del amor y de la muerte. Todos los sitios humanos son lugares marcados, destinados a ser sede de un acontecimiento nunca resuelto, siempre pendiente. (…) ….el cuerpo sobresale como figura, como símbolo y metáfora y termina por imponer su presencia por sobre la del sostén que lo sustenta y disputa la escena. En los ambiguos dominios del arte contemporáneo, el cuerpo no se presenta sólo como tema o como modelo estético; como refugio secreto del sexo o la materia corruptible opuesta al espíritu. Irrumpe, sobre todo, como disparador de cuestiones y conceptos que rebasan los dualismos binarios, se involucran en los azares de la subjetividad y se conectan con las contingencias de la biodiversidad. El cuerpo es la sede del deseo, pero también el apoyo de la memoria resistente. Es el lugar del goce, ese placer ensombrecido por el horizonte de finitud que condiciona y legitima lo humano. Por eso, en otro momento de esta serie, el cuerpo recupera casi enteramente sus fisionomías y sus formas y, se yergue apoyado, a falta de pies, en trípticos. El espacio de la representación conquista la tridimensionalidad y se reafirma como claro escenario clásico. El guiño a Velázquez permite el juego de espejos y composiciones canónicas, que se desarman pronto por la intrusión del cuerpo real recortado en la puerta vacía del fondo. El cuerpo “real” es pura imagen del cuerpo físico, la metáfora del artista que se cuela en el interior del cuadro. El lugar donde se ha montado esta escena es el mismo donde se exponen las fotografías. Son trucos de la memoria atribulada, que inventa figuras para encarnar sus fantasmas. Gallery Labs abrió su puerta en Buenos Aires en febrero de este año, en pleno corazón de Retiro, en un espacio que por su morfología y características, desafía la curaduría y el montaje, luego de 7 años participando en ferias internacionales y nacionales. En esta oportunidad, invitó a Osvaldo Salerno director de Fabrica Galería/Club de Arte, de Asunción, Paraguay quien presentó esta muestra con la curadurúa de Ticio Escobar.   Del 26 de octubre al 20 de noviembre. Gallery Labs (Esmeralda 986).

El muralista Elian Chali presentará su obra terminada con un texto de Mercedes Halfón. Los visitantes podrán ver la conversión del espacio Berni como soporte de una instalación. Su mural pretende tomar todo el espacio para jugar con distintas perspectivas. Su obra desafía a pensar cómo afectan los entornos en las circunstancias sociales y al comportamiento humano. El artista nació en 1988 en Córdoba, donde vive actualmente. Su obra lo caracteriza el estrecho vínculo con el entorno en el que se encuentran sus trabajos. Las posibilidades son estrictamente distantes entre sí; desde una calle remota en cualquier lugar, hasta una institución artística, la plataforma desde la cual opera contiene universos adversarios. Arquitectura, clima, historia, contexto socio-político, entre otros tópicos propios de las urbes, son elementos nutritivos para construir su visión del mundo. Su centro sociológico de acción, es la ciudad. A través de medios como la fotografía, pintura, instalación y reutilización de objetos específicos, el artista busca abrir discusiones que abarcan desde cuestiones culturales en choque, hasta retratar la poesía del espacio donde convivimos. Elian esta puntualmente interesado en como el ser humano se relaciona con las circunstancias sociales. La experiencia de habitar la ciudad se ha transformado en un riesgo catalizador clave en su producción artística. La exposición corporal en sus procesos de trabajo frente al ojo fantasma del observador, ha generado que el artista no tenga una intención unidireccional, si no más bien que atienda los asuntos del mundo a través de la mirada del otro. Con más de 10 exhibiciones grupales y 4 individuales alrededor del mundo, su trabajo se puede encontrar en países como Argentina, Australia, Bélgica, Canadá, España, Estados Unidos, Inglaterra, Francia, Alemania, Italia, México, Polonia, Portugal, Perú, Paraguay, República Dominicana, Rusia, Uruguay y Ucrania, entre otros. En el año 2016 público su primer libro de fotografía y ensayos titulado Hábitat.   Del 3 de julio al 1° de septiembre. Puede visitarse de miércoles a domingos de 14 a 20 con entrada libre y gratuita. Espacio Berni del Centro Cultural Borges (Viamonte 525).

Una instalación de sitio específico ideada y realizada por la artista argentina Alicia Herrero especialmente para ser exhibida en las salas del Museo. “Esta obra, representativa de las indagaciones conceptuales y estéticas que Herrero emprendió a lo largo de su carrera, pasará a integrar la colección institucional”, revela el director del Bellas Artes, Andrés Duprat. Esta instalación se sumará entonces a Mise à nu, una escultura donada por la artista en 2021, cuando fue distinguida con el Premio Nacional a la Trayectoria Artística. “Herrero es una figura central de la escena artística argentina de los años 80 y 90, un período particularmente efervescente para la cultura nacional, en el que también comienzan a cuestionarse las consecuencias de un neoliberalismo voraz: la pobreza, la marginalidad y la profundización de las desigualdades”, apunta Duprat. “Varios de estos temas vuelven a ingresar en esta obra de Herrero, que toma el espacio de la sala a través de un repertorio de imágenes materializadas como objetos tridimensionales y como pintura”. Por su parte, Mariana Marchesi, coordinadora artística del Bellas Artes y curadora de la exhibición, indica: “A lo largo de su trayectoria, Herrero ha construido un glosario de signos que definen un universo propio en el que se fusionan elementos de ámbitos diversos: desde los utensilios de la economía del hogar, que imaginó en sus primeras obras de la década de 1990, hasta los instrumentos de medición económica que pueblan las pinturas y objetos a los que se abocó en los últimos años”. “En esta obra, la artista recupera un utensilio emblemático de su primera etapa: el repasador. Las guardas rojas y verdes saltan de la tela/trapo, se deslizan hacia la pintura y los objetos, para transformarse así en la huella que se adivina en esas formas lineales”, explica Marchesi. “Herrero tampoco pierde de vista la historia del arte y los vínculos que una imagen establece con la contemporaneidad. Estos objetos, mutaciones del universo lógico de la economía, irrumpen en el espacio para entablar una experiencia performática de los cuerpos sensibles, orgánicos, de quienes los observan”, agrega. Sobre la artista Alicia Herrero (Quilmes, Provincia de Buenos Aires, 1954) es graduada de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, con títulos en Pintura y Grabado. A principios de la década de 1990, comenzó a exponer con obras compuestas por elementos como repasadores y manteles de hule, que cuestionaban el paradigma de lo femenino, tradicionalmente vinculado al ámbito doméstico. Ese primer núcleo de obras contiene el germen de su producción posterior. Partiendo de la noción de trabajo invisibilizado, percibido como indigno de ser medido en términos de valor, la artista comenzó un camino que desembocó, primero, en la reflexión sobre el modo en que se atribuye valor a las obras de arte –tanto en términos simbólicos como de mercado–, para arribar luego a una mirada afilada sobre la desmedida acumulación de capital que rige la economía mundial. En 2021 recibió el Premio Nacional a la Trayectoria Artística. También obtuvo el Primer Premio en el Salón Nacional de Artes Visuales en 2014 (Nuevos Soportes e Instalaciones) y una Mención Especial en 2019 (Escultura), además del Primer Premio de la Fundación Fortabat en 2019 y la Beca Bicentenario a la Creación del Fondo Nacional de las Artes en 2016 y 1997, entre otras distinciones.   Del 26 de agosto de 2025 al 19 de octubre de 2025. Puede visitarse de martes a viernes, de 11 a 19.30 y sábados y domingos, de 10 a 19.30. Entrada libre. Muso Nacional de Bellas Artes (Av. del Libertador 1.473).

Malba inaugura el calendario de exposiciones 2024 con Rosana Paulino. Amefricana, la exhibición más completa que se realiza fuera de Brasil de esta artista nacida en San Pablo en 1967, con la curaduría de Andrea Giunta e Igor Simões . La muestra incluye obras realizadas durante 30 años, entre 1994 y 2024, y aborda el conjunto desde la perspectiva que el Atlántico inscribe en la América afrodescendiente. En sus instalaciones, dibujos, grabados, bordados y esculturas, Paulino aborda la esclavitud y la violencia de la diáspora africana en el Brasil como eje central de su práctica, que además de artística también es pedagógica y militante. Creadora versátil, explora diversas técnicas, con un especial apego a la gráfica y el dibujo. A través de operaciones específicas (como la sutura del bordado y el empleo del archivo, entre otras), atraviesa críticamente la historia del Brasil problematizando la construcción étnica de la nación. Las intervenciones poéticas de Paulino reinscriben los archivos de la diáspora africana en América del Sur. Lo hacen desde el diálogo constante entre archivos personales, archivos históricos, reconceptualizaciones del arte brasileño, interrogaciones a las matrices de la ciencia de occidente (sus sistemas de clasificación, sus hipótesis, sus formas de ordenar el mundo) y también desde un abordaje de los afectos y las circunstancias de la mujer negra en la sociedad brasileña y latinoamericana. La exposición propone un recorrido para abordar estos conceptos desde una poética compleja y profundamente afectiva. Incluye cinco grandes instalaciones, junto a dibujos, grabados y un video. Se organiza en cuatro grandes núcleos (“Memorias atlánticas”, “Las estructuras coloniales de la ciencia”, “Las narrativas del arte brasileño” y “Tejidos de la subjetividad”) que no son zonas separadas, sino ejes de sentido que atraviesan casi todas las obras de Paulino. El título Amefricana deriva del concepto de “amefricanidad”, acuñado por la filósofa, activista negra, feminista y socióloga brasileña Lélia Gonzales (1935-1994). “Amefricanas” son las identidades individuales, estructuradas en la vivencia colectiva, de quienes comparten lazos culturales contrarios al dominio colonial. El término recoge particularidades de la figura de la mujer negra y destaca su participación activa en la historia, a diferencia de otras narrativas racistas y sexistas que disminuyen o suprimen su importancia.   Del 22 de marzo al 10 de junio. Puede visitarse de jueves a lunes de 12 a 20 y miércoles de 11 a 20. Martes cerrado. Entrada general, 5.000 pesos. Estudiantes, docentes y jubilados con acreditación, 2500. Menores de 5 años  sin cargo. Miércoles, entrada general 2.500 pesos. Sala 5, Nivel 2 Malba (Figueroa Alcorta 3415).

El Museo de la Cárcova de la UNA presenta Amigos del siglo XX. Los motivos de María Guerrieri y Max Gómez Canle, una muestra compuesta por reproducciones de obras del siglo pasado.  Nada parece fuera de lo común: pinturas y dibujos de artistas reconocidos, copiados sin intención de engañar, sin firma, sin secretos técnicos. Pero esa aparente transparencia pronto se convierte en sospecha. Las obras, al ser despojadas de su “aura” de originalidad, revelan otra cosa: una inquietud, una tensión, una pregunta sin respuesta. ¿Qué valor le damos a la copia? ¿Qué fantasía se activa al sentirnos rodeados de “originales que no lo son”? ¿Dónde está el arte: en la obra, en el gesto, en la mirada? La muestra adquiere otro nivel de resonancia al realizarse en el Museo de la Cárcova de la UNA, cuya colección permanente está compuesta por calcos de esculturas emblemáticas de la historia del arte, por lo que no sólo dialoga con las obras que exhibe, sino también con el propio espacio que la contiene. La exhibición pone en crisis las jerarquías tradicionales entre original y reproducción, entre autoría y mediación. Al hacerlo, propone un experimento perceptivo: restituir la vitalidad perdida de obras que el tiempo, el mercado o la costumbre han convertido en íconos mudos. Al mismo tiempo, establece con ellas una proximidad afectiva, donde los propios artistas se inscriben en la Historia del Arte, como colegas o como herederos de un legado. Entre la ironía, la crítica y una perturbadora honestidad, Amigos del siglo XX. Los motivos nos enfrenta a una experiencia perceptiva desestabilizante. Como médiums de una herencia visual, sus creadores operan sobre la materia de la reproducción, resignificando su banalidad aparente. No buscan falsificar, sino traducir, copiar sin disimulo para que algo se vuelva visible. Porque, al final, lo que está en juego no es la fidelidad al modelo, sino la pertinencia de una pregunta: ¿Qué es lo que realmente estamos viendo cuando miramos arte? Acompaña la exhibición un programa de talleres y actividades, que amplían la experiencia de los visitantes, fomentan el diálogo, la reflexión y la producción artística en torno a la exposición y su propuesta.   Del 17 de mayo al 28 de septiembre de 2025. Puede visitarse de martes a domingos de 10 a 17 (feriados cerrado) con entrada libre y gratuita. Museo de la Cárcova - UNA. (Av. España 1701 esquina E. R. de Dellepiane).  

Una exposición integrada por 80 obras del artista visual Carlos Bissolino que será exhibida en las salas 7, 8 y 9 del Centro Cultural Recoleta. Figura vital de la escena del arte argentino desde la década del 70 hasta el presente, Bissolino ha desarrollado parte de su obra durante los años 80 en Italia y, desde su regreso al país, dirige una de las cátedras más activas e influyentes de la Universidad Nacional de las Artes. Óleos, acrílicos, técnica mixta sobre tela, tinta sobre papel -entre otros formatos- son algunas de las piezas que reflejan el universo del artista en el que coexisten paisajes oníricos de una intensa exploración técnica. Agustín Fernández, Sol Ganim, Rodolfo Marqués, Ramiro Oller, Juan Reos y Gonzalo Silva conforman el equipo curatorial de la muestra celebratoria del artista argentino. Todos ellos, formados en su cátedra, festejan hoy la vitalidad y experimentación radical de la producción del maestro abarcando al menos cuatro décadas de un trabajo ininterrumpido. “Bissolino es para todos nosotros el ideólogo de un espacio donde nos formamos y del que surgió nuestro primer grupo de pertenencia dentro del campo del arte en Buenos Aires”, apunta Agustín Fernández. “Nos entusiasmamos con las obras que se resisten a ser explicadas, las más inclasificables, las que sostienen un misterio tanto en su imagen como en su dimensión técnica”, agrega Rodolfo Marqués. “Algunas de ellas no habían sido exhibidas y otras habían sido vistas hace ya mucho tiempo, en contextos muy diferentes”, cuenta Ramiro Oller. La muestra se organiza asincrónicamente, permitiendo que obras de distintos períodos convivan en una misma sala e incluye la producción más reciente de Bissolino (2020-2021), plagada de abstracciones matéricas de gran formato, junto a tintas alucinadas y prolíficos cuadernos que dan cuenta de su vasto imaginario. En la sala 7 se exhiben pinturas de gran formato “donde ciertos objetos animados habitan atmósferas misteriosas”, explica Juan Reos, y “en la sala 8 se muestran paisajes metafísicos poblados de escalinatas de perspectivas imposibles junto con objetos que flotan en un espacio ambiguo”, agrega Sol Ganim. Por último, “en la sala 9 diseñamos un espacio pequeño, escenográfico, que funciona como transición y donde nos permitimos reunir las obras más fantasmales de la muestra", comenta Gonzalo Silva. En Bissolino la propia práctica de la pintura cobra jerarquía convirtiéndose en una especie de fluido vital que se redefine y reconstituye en cada serie. “Antología Flotante” es, más que un homenaje, un redescubrimiento y puesta en valor de lo que sus obras pueden mostrarnos hoy.   Del 13 de junio al 15 de julio. Puede visitarse de martes a viernes de 13.30 a 22 y los sábados, domingos y feriados de 11.15 a 22, con entrada libre y gratuita. Centro Cultural Recoleta (Junín 1930).  

Una combinación impactante de esculturas y pinturas creadas por las artistas Abril Barrado y Gisela Banzer.  Los trabajos exhibidos remiten al antropomorfismo​​, atribución de características y cualidades humanas a los animales de otras especies u objetos. Bajo este hilo conductor se entrelazan las pinturas de Gisela Banzer y las esculturas de Abril Barrado, que en cada sutil detalle moldean el carácter de los personajes que se muestran, los cuales se presentan con toda su fuerza y sus sentimientos, confrontándonos con su propia animalidad. La técnica hiperrealista es inherente a las obras de Banzer y Barrado, lo que implica una exhaustiva investigación, rigurosidad técnica y muchas horas de trabajo. El espacio de arte se desarrolla en la icónica Caja de Cristal (emblemática obra de los arquitectos Manteola, Sánchez Gómez, Santos, Solsona, Viñoly y Petchersky). Las autoras plantean un juego de espejos hombre-animal, como en la mitología griega, con la fuerza alegórica de sus símbolos y sentimientos. Entre las esculturas se destacan “Niña Gacela” y  "Lycaon”, son piezas realizadas en cerámica y su autora, Abril Barrado, explica que hacen referencia a una problemática compleja como es el abuso infantil, buscando generar conciencia sobre la importancia de la prevención y cuidados sobre la niñez. Gisela Banzer señala que “los trabajos que compongo comienzan con una historia real, transcurren en un plano imaginario y terminan con el intento de salvarnos de nuestra propia naturaleza.”   Hasta el 29 de diciembre. Puede visitarse de lunes a viernes de 10 a 15. Banco Ciudad (Sarmiento esquina Florida).  

Una muestra con Alejandro Chaskielberg y Don Rouch, artista invitado que nuclea una serie de obras de gran belleza e impacto visual en las que han colaborado recientemente. Arde es una narrativa que documenta el incendio más devastador ocurrido sobre una población en la historia de Argentina. Durante seis meses del 2021, Alejandro Chaskielberg realizó un registro exhaustivo de las diferentes causas y consecuencias sociales y medioambientales de esta catástrofe. La introducción de árboles no nativos, las tomas de tierras en viejas plantaciones de pino que se incendiaron completamente y las personas que lo perdieron todo en los fuegos son los sujetos de una de sus últimas series fotográficas. Acompañadas de piezas únicas de joyería y orfebrería de Don Rouch, que trabajan con los imaginarios de estas obras, la exhibición establece un diálogo entre las diferentes maneras de representar un incidente de tal magnitud.   Del 22 de agosto al 11 de octubre. Puede visitarse de lunes a viernes de 14s a 19 y sábados de 15 a 19- Gachi Prieto (Uriarte 1373).

Los objetos escultóricos de Miguel Gandolfo se inscriben en una tradición geométrica que establece relaciones dialécticas entre el escultor y sus coordenadas creativas. La filiación afectiva con la madera existió desde temprano, a través de la carpintería de su padre, y continuó durante y después de su formación artística profesional. Sobre su obra, afirma: “Yo no tallo, fabrico piezas que ensamblo como un mecano”, situando así su trabajo entre la escultura y la carpintería, en lugar de ser una cosa o la otra. La supuesta disyuntiva entre el saber hacer artesanal y la impronta estética del trabajo escultórico es una dicotomía que Gandolfo impugna a lo largo de toda su producción creativa. Bajo la categoría “ardiente geometría”, esta exposición reúne un conjunto de obras que marcan la trayectoria escultórica de Gandolfo, y revela otra de las raíces conceptuales de su trabajo. Dicho sintagma, acuñado por el escultor Luis Quesada, trasluce una conexión genealógica con el Bermejo, barrio de artistas de Mendoza, enclave creativo promovido por Quesada y hogar de su discípulo Gandolfo. Desde estas coordenadas, Miguel aporta su propuesta. Otras vías de exploración surgen conforme el artista encuentra nuevos motivos escultóricos que toman como ejes la precisión matemática de la geometría, el juego de vacíos y llenos, o la dualidad entre la organicidad de la madera y las estructuras calculadas y precisas. En los laberintos tridimensionales y ensambles policromos destaca el interés por las formas de rigor matemático. Se trata de piezas escultóricas conformadas por varias unidades independientes que se resisten a la separación perceptiva. Además, Gandolfo ha trabajado consistentemente con otro tema en un número relevante de trabajos: los nudos gordianos, donde la madera se entrelaza de manera compleja y profusa. En otras búsquedas, las composiciones con duelas de roble evocan su uso histórico en la producción vinícola de la región, pero recrean nuevas formas que orientan una posible lectura del legado artesanal desde una interpretación contemporánea. La herencia de una ardiente geometría se adivina en cada línea, color y quiebre de la madera. En el centro de la expresión artística se encuentra el individuo marcado por sus circunstancias concretas, reflejando la heterogeneidad de la creación estética.   Del 3 de julio al 1° de septiembre. Puede visitarse de miércoles a domingos de 14 a 20 con entrada libre y gratuita. Centro Cultural Borges (Viamonte 525).

Por primera vez se realiza en Buenos Aires Argentina 5 sentidos. Se trata de una exhibición en la que se podrán apreciar distintas manifestaciones de las artes visuales, la moda, la tradición, el turismo y las riquezas de la cultura argentina. Son cuatro días, para disfrutar de las obras de Marie Barni, Ana Brull, Daniel Corvino, Liliana Dowbley, Nilda Fernández Uliana, Xavier Fontenla, Ana María Frutos Chilavert, Mónica García Lois, Teresa Giustinian,  Maitemazz, Patricia Martínez, Isabel Mignaquy, Marta Morgenroth, Julio Parada Seifert, Emma Parotti, Ester Pérez Otaola, Lilia Perrone Carrillo, Estela Pesenti,  Stella Redruello,  Cecilia Risopatrón Müller, Daniel Savall y Cristina Terzián.   Del 7 al 10 de octubre. Puede visitarse de 14 a 20. Con entrada libre y gratuita. Palacio Paz (Santa Fe 750).  

El 5 de septiembre dará comienzo al evento diseñado por el galerista y artista Cassiano Araújo. Celebrarán los 35 años del Memorial de América Latina con la exposición Arte América, con el apoyo de la Asamblea Legislativa del Estado de San Pablo.  La muestra reunirá 36 artistas contemporáneos del cono sur de América latina, en el Hall Monumental del Palacio 9 de Julio. La Curaduría está a cargo de Cassiano Araújo y la Alicia Cunto, del Palacio Paz de Buenos Aires, que llegará con un grupo de artistas de ese país, que participan de la convocatoria. La exposición, es un manifiesto artístico en pos de la Paz, de los derechos humanos y la integración Latinoamericana. El tema central de la reunión está centralizado en la Paz y la reflexión sobre las políticas sociales y ecológicas que impactan sobre la región. La exhibición presenta pinturas, esculturas, diseños y joyas, de talentosos creadores contemporáneos.  Durante el transcurso de la exposición, Cassiano Araújo, entregará oficialmente dos obras emblemáticas: La Virgen de Guadalupe para Estados Unidos, y la Virgen de Caacupé, para la República del Paraguay. Obras que son un homenaje a la lucha de las mujeres latinoamericanas. Están simbolizadas por las ministras Anielle Franco y  Sonia Guajajara, representantes de las naciones indígenas y afro descendientes respectivamente. Terminada la muestra, las obras serán donadas a importantes instituciones culturales y religiosas como el arzobispado de Asunción, Paraguay, el Memorial de América Latina y el Museo del Parlamento Paulista. La exposición apela y promueve para una vida con cambios sociales y para una convivencia más justa y equitativa. Es importante la interacción y camaradería de los artistas representantes de los 6 países participantes ya que ellos fortalecerán sus vínculos muy fuertemente en el arte.   Foto: Obra de Mónica García Lois

Una muestra del artista platense, Silvio Acevedo. La muestra reúne una selección de obras escogidas por el curador, Eugenio Cuttica. 15 obras de gran formato (160 x 200 cm.) y nueve de dimensiones más pequeñas (aproximadamente 50 x 60 cm.). El eje de las obras es la figura humana. A partir de allí, una acción pictórica deconstruye las formas, llegando incluso al desmembramiento del cuerpo, con pincelada suelta y libre y una paleta  vibrante. "La obra de Silvio Acevedo se define por su enfoque en la figura humana como punto de partida para construir y luego desmantelar el cliché a través de una catástrofe pictórica, llevándola casi a un nivel conceptual," expresa Cuttica en su texto curatorial, para agregar: "En este proceso, su trabajo experimenta una desconfiguración violenta, fruto de la emocionalidad, el error y los desaciertos, que en última instancia son los que definen su identidad expresionista. La belleza reside en el caos, revelando la esencia única de su expresión artística." Las obras, a partir de la figura humana, se cubren de una capa de formas y líneas abstractas. Poseen un gran nivel expresivo en cuanto a gestos, colores y atmósfera. Se destacan en ellas elementos que nos remiten a la corriente informalista surgida en Europa a fines de los años 40, con azarosas pinceladas dramáticas y exageradas. Todas estas características nos retrotraen sin duda a la neofiguración, movimiento surgido en Europa y extendido en las décadas de los años 60 y 70 en países de Latinoamérica como Argentina, México y Brasil, caracterizado por una libertad en cuanto a las formas y figuras, en ocasiones monstruosas y desordenadas. Como bien indica la experta en arte Laura Verón, "la rebeldía y la ruptura en la obra de Acevedo se confrontan con lo que no se quiere ocultar. La belleza habita el caos, la angustia de la existencia, la incertidumbre del sentido de las cosas y la capacidad inabarcable de transformar a través de la metáfora."   Del 28 de octubre al 30 de noviembre. Espacio Ensó (Arenales 1199)

El Museo de Esculturas Luis Perlotti se especializa en las producciones tridimensionales y en este proyecto, en diálogo con el Museo Isaac Fernández Blanco, propone la integración de los sentidos a partir de la experiencia directa con las materialidades, técnicas empleadas y las formas, para así descubrirlas, y percibir el volumen. Cada escultura está pensada para interactuar con el paisaje y el espectador, este circuito permite un recorrido libre en un espacio vivo donde lo artístico y lo natural se entrelazan. Aquí, el arte se vuelve accesible, invitando a todos a sumergirse en una experiencia sensorial. Mediante el presente corpus de obras se intenta que cada una se convierta en un punto de reflexión sobre nuestra relación con el entorno. Este espacio no solo es para observar, sino también para participar, interpretar y, sobre todo, conectar. Armando Ramaglia. Serie Paños. “Paño naranja”. Metal y patina. Soldadura. 200 x 100 x 56 cm. (2010) Se destaca el compromiso de los artistas que han logrado producciones que son accesibles tanto mediante la experiencia visual como la táctil. Esta dualidad permite a un público más amplio interactuar con su obra, fomentando una conexión más profunda y significativa. Al integrar estas dimensiones sensoriales, sus trabajos no solo enriquecen la apreciación artística, sino que también invitan a la inclusión y a una mayor diversidad en la experiencia del arte. Artistas participantes: Cristian Leonardo Faccini, Adriana Vanesa Mazzota, Darío Julio Klehr, Juan Alfredo Percivalle, Oscar De Bueno, Raúl "Pájaro" Gómez, Eduardo Calandria, Carlos Andrés Scannapieco, Andrés Collado, Gabriel Alonso Strnad, Julia Farjat, Armando Ramaglia, Juan Carlos Mercurio y Sergio Quatrocci.   Foto: Julia Farjat. "Equilibrio". Chapa de hierro patinada. Soldadura, 127 x 68 x 16 cm. con base, 2020.    Del 8 de noviembre al 17 de marzo de 2025. Puede visitarse lunes, miércoles, jueves y viernes de 11 a 19; sábados, domingos y feriados de 11 a 20. Martes cerrado. Entrada libre y gratuita a los jardines. Museo Issac Fernández Blanco - Palacio Noel (Suipacha 1422).  

Nomad es una intervención del artista Aaron Nachtailer que se integra al entorno natural del jardín andaluz del museo, generando un ecosistema cultural. A su vez, se presenta la tercera edición de Intervenciones mínimas, con obras de Jacques Bedel, María Silvia Corcuera y Catalina Chervín, en diálogo con la colección permanente del Larreta. En Nomad se podrán apreciar cuatro instalaciones inmersivas y site-specific del artista neuquino Aaron Nachtailer explorando diversas condiciones del estado de la materia: el árbol vivo, el tronco, la madera quemada y la ausencia misma a través de la desmaterialización. Las intervenciones Raw, Nomad, A table (en colaboración con Cabinet Oseo) y AA: Anonyme se integran al espacio verde del Museo Larreta con el entorno, respetando y realzando la arquitectura y la vegetación del lugar. Nachtailer aborda la relación entre la naturaleza y la cultura, utilizando materiales que provienen de los espacios verdes de la Ciudad de Buenos Aires, como los troncos de árboles caídos en las tormentas, junto a otros materiales como el cáñamo, la amatista o elementos industriales. Nomad, curada por Diana Saiegh, se hará presente también en el Centro Cultural Recoleta (Junín 1930), la Alianza Francesa (Av. Córdoba 946) y la terraza del Museo Nacional de Bellas Artes (Av. del Libertador 1473). Con el fin de crear un intercambio artístico-cultural y la creación de una plataforma para el diálogo intercultural, se realizará este recorrido que pasará por lugares icónicos de la Ciudad y sus museos. La muestra Nomad será realizada en la ciudad de París en septiembre de 2025. En palabras de la directora del Museo Larreta, Delfina Helguera, “un aspecto clave de estas intervenciones es la forma en que las obras interactúan con el espacio y el tiempo. En el jardín andaluz, el juego de luces y sombras, el sonido del agua corriendo, y los cambios estacionales se convierten en parte integral de la experiencia artística. Las obras, por tanto, no sólo son contempladas como objetos, sino que se experimentan en un contexto vivo y dinámico, donde el espectador se convierte en parte activa de la obra al recorrer el espacio”. Por otra parte, Intervenciones mínimas III, curado por Delfina Helguera. En esta tercera edición, se exhibirán obras de artistas contemporáneos en diálogo con la colección permanente del museo en la Sala Escritorio. El visitante podrá hallar piezas que remiten a temas, técnicas, materialidades y planteos visuales en relación a una colección histórica. En esta ocasión, se exhibirán obras de Jacques Bedel (libros), María Silvia Corcuera (pinturas) y Catalina Chervín (esculturas de resina sobre poliéster).   Del 11 de septiembre al 30 de octubre. Puede visitarse lunes, miércoles, jueves y viernes de 11 a 19; sábados, domingos y feriados de 11 a 20. Martes cerrado. Entrada público general, 500 pesos. Extranjeros no residentes, 3.000 pesos. Miércoles sin costo. Jubilados, estudiantes universitarios presentando acreditación, personas con discapacidad más un acompañante, menores de 12 años y grupos de estudiantes de colegios públicos, sin cargo. Museo de Arte Español Enrique Larreta (Av. Juramento 2291)  

El Mercado Nacional de Artesanías Tradicionales e Innovadoras Argentinas (MATRIA) de la Dirección Nacional de Industrias Culturales de la Secretaría de Desarrollo Cultural y el Centro Cultural Borges presentan Artesanía para infancias.  Se trata de soñar, jugar, crecer. En esta oportunidad, la Tienda nos da la posibilidad de encontrarnos con artesanía dedicada a las infancias. Se expondrán alfombras, mantas, muñecos de tela, papel, madera, cerámica, instrumentos musicales, autómatas, entre otros. Una excelente oportunidad para conocer y descubrir trabajos de artesanos y artesanas de Buenos Aires, Catamarca, Chaco, Córdoba, Formosa, Salta, Santa Fe y Tucumán a través de más de 90 piezas en exhibición. Fuente: Patricia Ludueña, Prensa y Comunicación Institucional.   Del 18 de octubre al 28 de febrero de 2024. Puede visitarse de miércoles a domingos de 14 a 20, con entrada libre y gratuita. Centro Cultural Borges (Viamonte 525).  

  Foto: Andrés Romero Von Zeschau, Ladrillo fresco (I, II, III, IV, V, VI, VII) Fresco sobre ladrillo, 2024. 

Una muestra individual del artista Tadeo Muleiro, con curaduría de Jen Zapata. Esta exposición cuenta con el acompañamiento de Fundación Santander Argentina, a través del Régimen de Promoción Cultural (Mecenazgo) del Ministerio de Cultura de la Ciudad, y podrá visitarse hasta el domingo 23 de noviembre en Pujol 644. “Atardecer en un bosque” transformará la sala del primer piso del museo en un ecosistema atemporal y simbólico. La obra de Muleiro invitará a adentrarse en un universo donde lo humano, lo animal y lo fantástico se entrelazarán en un tránsito constante, generando un espacio que abrirá la puerta a nuevas formas de habitar y percibir el mundo. Tomando como referencia el libro Cómo piensan los bosques de Eduardo Kohn, en “Atardecer en un bosque” se desplaza el antropocentrismo y se reconoce a jaguares, aves, seres espirituales y árboles como sujetos con los que se pueden establecer vínculos y compartir formas de pensamiento. Reconocer a otras formas de vida como sujetos dotados de agencia y significado impulsa una revisión crítica de las relaciones humanas con el entorno, fomentando la construcción de vínculos más respetuosos y equitativos con todos los seres que cohabitan este planeta. Las esculturas textiles blandas de Muleiro, lúdicas y dinámicas, propondrán una experiencia sensorial y filosófica que trascenderá lo visual, abriendo la puerta a nuevas formas de percepción y relación con lo viviente. Cada obra será un umbral hacia lo ancestral, lo indeterminado y lo oculto, donde se revelan los secretos y misterios del bosque.   Del 17 de julio al 23 de noviembre. Puede visitarse lunes, miércoles, jueves y viernes de 11 a 19 y sábados, domingos y feriados de 11 a 20. Martes cerrado. Entrada público general, 10.000 pesos; residentes argentinos y/o extranjeros con DNI, 2.000; miércoles sin cargo; jubilados, ex combatientes de Malvinas, estudiantes universitarios presentando acreditación, personas con discapacidad más un acompañante, menores de 12 años y grupos de estudiantes de colegios públicos, sin cargo todos los días. Museo Luis Perlotti (Pujol 644).