Muestra de arte “Ecos del tiempo” obras de Graciela Zar. Dice Rosa Aiello:  "Un universo en el que se conjugan obras ejecutadas con diversas técnicas gráficas -aguafuerte, monotipo, estarcido, impresión digital - unidas al collage, es el que Graciela Zar despliega en esta muestra. La propuesta interpretativa se articula en base a un contrapunto de núcleos figurativos (postales, fotografías) que aparecen ya sea como recuerdos organizados o como piezas significativas fragmentadas manteniendo, en ambos casos, una interacción dinámica con los fondos. Conceptualmente la integración de la tarjeta postal nos remite a su interés por la comunicación y los afectos. Se comparten imágenes y sentimientos. Zar enfatiza la presencia de planos gestuales que no ofician como soportes escenográficos sino que interactúan sólidamente con las imágenes focales insertas en ellos, creando una potente unidad estructural en la representación".   Graciela Zar es Profesora Nacional de Grabado y Dibujo, 1967.  Expone individualmente desde 1969. Hacia 1985 integra el Grupo 6 de grabado experimental. Actúa como jurado en salones nacionales y municipales y ha dictado cursos de grabado en el país y en el exterior. Vive y trabaja en Buenos Aires. Entre otros, ha obtenido el Premio Bienal Guillermo Facio Hebequer, otorgado por la Academia Nacional de Bellas Artes, 1975; Beca Francesco Romero, perfeccionamiento de Grabado en Roma, Italia, 1978; Gran Premio de Honor de Grabado del Salón Nacional, 1986; Premio Konex, Diploma de Honor en Grabado, 1992; Primer Premio de Grabado del Salón Municipal, 1994; Premio Único de Monocopia del Salón Nacional, 1995; Primer Premio de la Bienal de Grabado arteBA 2002; Primer Premio de Grabado, Salón Nacional de Santa Fe, 2006. Ultimas exposiciones individuales: 2017  Museo Benito Quinquela Martín. Buenos Aires; 2014  Museo Fundación Catedral de la Plata; 2001  Fondo Nacional de las Artes. Centro Cultural Recoleta. Buenos Aires; 2001  Galería Argentina. Embajada Argentina en Paris, Francia; 2000  Museo de Arte de Rio Grande do Sul Ado Malagoli. Porto Alegre, Brasil y 1993  Museo de Arte Moderno. Santo Domingo, República Dominicana. Participa regularmente en numerosas muestras colectivas y bienales internacionales: 2015  Imaginarios presentes/Imaginarios futuros. Casa del Bicentenario; 2012  Discursos Gráficos. Fundación Osde. Buenos Aires; 2009  L’Arte e il Torchio/Art and the Printing Press. Cremona, Italia;2007  81st Exhibition of Kokuga-Kai, Print Art of Kokuten. Japón; 2006 International Triennial of Graphic Art. Bitola, Macedonia y 2005  Maneras de la Poesía. Fundación Klemm. Buenos Aires, Argentina. Sus obras figuran en la Academia Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina; Museo de Gráfica Contemporánea de Fredrikstad, Noruega; Universidad de Salamanca, España; Galería Nacional de Praga, Checoslovaquia; Instituto de Cultura Puertorriqueña, Puerto Rico; Grafoteca de Berlín, Alemania; Museo Wilfredo Lam, La Habana, Cuba; Museo de la Universidad de Essex, Inglaterra; Academia de Bellas Artes de Pekín, República Popular China; Museo de Arte Moderno de Mendoza, Argentina;  Banco Interamericano de Desarrollo, Washington D.C., EEUU; Colección Citibank, Buenos Aires, Argentina; Embajada Argentina en Paris, Francia.   Imagen: Paisaje en reposo, Impresión Giclée   Del 9 al 29 de agosto. Puede visitarse de lunes a viernes de 10  a 20. Banco Ciudad Caja de Cristal (Florida 302).

El Museo Nacional de Bellas Artes inaugura el 28 de septiembre a las 19, en el Pabellón de exposiciones temporarias, “Eduardo Sívori. Artista moderno entre París y Buenos Aires”, la primera muestra antológica que la institución dedica a uno de los pioneros del arte argentino, con curaduría de las especialistas Laura Malosetti Costa y Carolina Vanegas Carrasco. “Esta exposición es producto de la exhaustiva investigación de un equipo interdisciplinario coordinado por las curadoras del proyecto ‒afirma el director del Museo, Andrés Duprat‒. La labor de Malosetti Costa y Vanegas Carrasco, comprometida con echar luz sobre los relatos y los sucesos que fundamentaron un incipiente arte moderno nacional, ha hecho posible que el Bellas Artes presente al público esta retrospectiva de Sívori, la primera que tiene lugar en nuestro país desde la exposición póstuma dedicada a su figura en 1919”. “En esta muestra ‒explican las curadoras‒ nos hemos propuesto reunir la obra pictórica y gráfica de Eduardo Sívori (1847-1918), toda la que hemos hallado hasta ahora, con el propósito de dar inicio a una catalogación razonada de la vasta producción de esta destacada figura, a quien se conoce apenas por algunos grandes cuadros como ‘Le lever de la bonne’ (El despertar de la criada), con el cual suscitó el primer escándalo artístico en Buenos Aires, en 1887”. Según las especialistas, Sívori fue quien desplegó una producción artística más amplia y sostenida entre los primeros modernos argentinos. Era el único que había viajado a Europa a comienzos de la década de 1870 y que, al regresar, compartió con sus jóvenes amigos las ideas acerca de la modernidad artística francesa y la pintura al aire libre. Constante y profesional, envió obras a todos los salones parisinos durante su estadía en la capital de Francia y expuso en cada salón argentino, desde su regreso a Buenos Aires hasta su muerte. Dedicó su vida no solo a la creación de un arte nacional, sino también a la enseñanza, la conformación y el sostén de instituciones artísticas. Además de fundar la Sociedad Estímulo, participó en la organización de las exposiciones del Ateneo, y fue un actor clave en la creación del Museo Nacional de Bellas Artes, la nacionalización de la Academia de Bellas Artes y la organización de los Salones Nacionales de Artistas desde 1911. Fue también pionero en la introducción del grabado al universo de las bellas artes y de su inclusión en los programas de enseñanza artística en el país. “Hemos dividido esta amplia exposición en cinco secciones con un orden que, si bien no es estrictamente cronológico, permite seguir el hilo de los intereses, las líneas de reflexión, los ideales estéticos, las redes de afectos y la trascendencia de este pintor singular de la historia del arte en la Argentina”, agregan Malosetti Costa y Vanegas. Integran la muestra cerca de 200 obras, fotografías, documentos y objetos personales provenientes de colecciones públicas y privadas, entre los que se cuentan pinturas, dibujos, acuarelas, gouaches, grabados y afiches creados por Sívori y algunos de sus discípulos. “Entre las piezas reunidas, pueden verse los paisajes que realizó tempranamente, las pinturas naturalistas y de crítica social del período parisino, las numerosas representaciones de la pampa argentina y los retratos que dedicó a sus afectos”, detalla Duprat. “Otra sección de esta muestra se propone destacar el modo en que Sívori ejerció de maestro de la generación siguiente, así como su rol de pionero en la revitalización del arte nacional a través de la introducción de técnicas en ese momento ausentes en nuestro medio”, completa el director del Museo.   Del 27 de septiembre al 4 de febrero de 2024. Puede visitarse de martes a viernes, de 11 a 20, y los sábados y domingos, de 10 a 20, con entrada libre y gratuita. Museo Nacional de Bellas Artes (Av. del Libertador 1473).

Esta muestra reúne obras recientes de diversos formatos y soportes. Sobre un conjunto de lienzos horizontales y verticales y de papeles de reducidas dimensiones se desarrolla un ansioso contrapunto de tramas, trazos, derrames, transparencias, superposiciones, texturas, rastros, salpicaduras. El agitado discurrir de una profusa terminología gráfica ofrece a la lectura adicta un territorio de signos que actúan como si asumieran un rumbo de evidencias vocacionalmente nominativas, allí donde sólo fingen hacerlo. En una desarmonía de factores tan físicos y táctiles como artificiales e inasibles, fingidas adhesiones a los restos óseos de la referencia proveen minúsculos destellos de certidumbre. Son espejismos en un mundo de objetos visuales que sólo se parecen a sí mismos, mientras amagan su semejanza con las infinitas cosas almacenadas en el bazar de lo inexistente. En tanto simulacros sin modelo,representan lo que no son y avanzan solamente a partir de similitudes, en las derivaciones necesarias para extraer de las retóricas del género apenas el vestuario requerido para ser algo, o alguien, sin serlo. Y la mirada no tiene mas remedio que ser cómplice de esta polaridad falsamente especular, en cuyos tácitos extremos sobreviven los dilemas de la forma y el sentido, la materia y la idea, la imagen y el arquetipo.   Del 29 de marzo al 31 de mayo. Puede visitarse de lunes a viernes de 15 a 19. Jorge Mara-La Ruche (Paraná 1133).

El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, presenta El arte, ese río interminable, el nuevo programa anual de exposiciones 2023, que tendrá lugar en su sede de Av. San Juan 350.  Este año inaugurarán diez exposiciones que se desplegarán en todas las salas del museo con el objetivo de presentar la potencia de la escena del arte contemporáneo en la Argentina desde los años sesenta hasta la actualidad. Estas exposiciones reúnen obras del patrimonio del Museo Moderno, préstamos de colecciones institucionales y privadas. Manifiesto verde, surge a partir del diálogo con la artista Florencia Böhtlingk; Juguetes rabiosos, del diálogo con Joaquín Aras; Cultura colibrí con el poeta Fernando Noy; y Cien caminos en un solo día, con Luciana Lamothe. El programa expositivo se completa con la nueva intervención artística que este año lucirá en el Clout Café, el café del Moderno, y la creación de un archivo audiovisual sobre los 40 años de la democracia, en sus plataformas digitales. En su programa El arte, ese río interminable el Moderno aborda temas como el  territorio existente e imaginado, la ecología y sus luchas históricas, la cosmovisión de los pueblos originarios y sus saberes para descifrar las señales del cielo, dictadura y democracia, libertad y crisis, y las ciudades y sus distopías. Este año incluye  una muestra histórica sobre la danza y su revolución en los años ´60. –Los títulos de las exposiciones nos invitan a seguir el rastro de Jorge Luis Borges, Susana Thenón, Roberto Arlt, Luis Alberto Spinetta y Rosario Bléfari.  Sobre la programación 2023, Victoria Noorthoorn, directora del Museo Moderno, destaca: “El próximo noviembre, el Museo Moderno será sede de la Conferencia anual del CIMAM (Comité Internacional de Museos y Colecciones de Arte Moderno), congreso que anualmente reúne a más de doscientos directivos de museos del mundo que se congregan para debatir acerca del rol de los museos de arte contemporáneo. Con la responsabilidad de presentar el arte argentino a los diversos públicos del museo, así como a invitados locales e internacionales, el Museo Moderno asumió el desafío de crear un abanico de nuevas exposiciones que juntas ofrezcan múltiples puntos de entrada a nuestra infinita y variada historia de la creación artística contemporánea en la Argentina. El arte, ese río interminable se propone presentar, entonces, a una pluralidad de artistas y movimientos de nuestra escena y mostrar aquello que nos identifica como país y región, nuestra tierra exuberante, nuestros saberes ancestrales y nuestra cultura, nuestros sueños y desvelos, nuestros interrogantes y desafíos”.  Enrique Avogadro, Ministro de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, sostiene que “el Museo Moderno es uno de nuestros efectores que más ha crecido, de manera constante y visible. A lo largo de estos años ha presentado más de 90 exposiciones mayoritariamente dedicadas al arte argentino, ha publicado más de 50 publicaciones bilingües sobre artistas de nuestro país, y desarrolla programas educativos como su programa anual de capacitaciones a más de 4000 docentes de todo el país para acercar el arte a más públicos. En esa misma línea, se destaca el programa Moderno Federal, que da a conocer, visibiliza y pone en valor el trabajo de artistas, galerías, museos y espacios de formación de distintas regiones de nuestro país. Del mismo modo lo hizo de forma digital, con gran impacto más allá de nuestras fronteras, posicionándose como una institución faro sobre el arte argentino. Y en ese sentido está pensada esta nueva programación que se propone presentar a una pluralidad de artistas y movimientos de nuestra escena y mostrar aquello que nos identifica como país y región. Por otro lado, este año tendremos el orgullo de ser Sede anfitriona de la Conferencia Anual de CIMAM. La organización que nuclea profesionales de museos de arte moderno y contemporáneo de más de 80 países. Es una oportunidad única para dar amplia visibilidad a nuestra cultura y un reconocimiento al desarrollo del Moderno”. En abril el Moderno inaugura Bravaria, de Sofía Torres Kosiba, artista cordobesa,   exposición individual que surge de las investigaciones iniciadas por el Programa Moderno Federal durante 2022. El borde de sí mismo, ciclo de teatro concebido por Alejandro Tantanian para el Museo Moderno, presentará diálogos entre las artes escénicas y las artes visuales para traspasar los límites de la propia disciplina para volver a presentarse desde una nueva perspectiva, inédita y sorprendente. Con el foco puesto en el territorio, la exposición A 18 minutos del sol, nos muestra las diversas cosmovisiones de artistas argentinos de las más diversas procedencias, tanto modernos como contemporáneos, así como investigaciones y miradas desde las ciencias, el esoterismo y la ficción.  El programa también pone de relieve el arte pionero de impronta ecológica creado a partir de los años sesenta por Nicolás García Uriburu,  Manifiesto verde. reúne obra de artistas  interesados en reconocer y proteger el vigor del mundo natural, el “superorganismo salvaje del que somos parte”.  La exposición Juguetes rabiosos, presenta a importantes artistas argentinos de la colección del Moderno que reconfiguraron la historia de la década y la del arte contemporáneo a través de gestos de destrucción y desmaterialización y actitudes que fueron siempre rupturistas y jamás conformistas. La vida nuevamente se centra en la irrupción en la historia de la danza moderna y contemporánea argentina de mujeres de vanguardia que, en los años sesenta, desde el Instituto Di Tella y otros espacios de esta ciudad, se posicionaron con actitudes fuertemente audaces y experimentales.  Las exposiciones Cultura colibrí y Cien caminos en un solo día, ponen en escena dos puntos de inflexión del arte argentino más reciente. La primera despliega su investigación sobre los exilios sexuales durante la última dictadura militar, la recuperación democrática y la experimentación festiva de los cuerpos de la contracultura de las décadas del ochenta y noventa. La segunda focaliza en el vigor de las propuestas artísticas que irrumpieron en el país luego de la crisis económica de fines de 2001, cuando colapsó el sistema financiero argentino. Sobre un paisaje urbano monumental creado por la artista Luciana Lamothe especialmente para esta exposición, una decena de artistas argentinos que hoy trabajan con materiales que tienen a la mano en la ciudad, entendida como un laboratorio, investigan las posibilidades de un arte vital urbano, dramático y lúdico que se alza por entre los escombros. Finalmente, en agosto, la exposición de los artistas Guillermo Faivovich y Nicolás Goldberg, aborda la historia cultural y científica de los meteoritos de Campo del cielo, caídos hace más de 4.000 años en las provincias del Chaco y Santiago del Estero. CRONOGRAMA DE EXPOSICIONES Sofía Torres Kosiba: Bravaria. Curaduría: Raúl Flores. Inaugura: 28 de abril de 2023. Sala D - Primer Piso. Ernesto Ballesteros, "Fuera del hangar",1987, 170 x 170 cm acrílico s/tela El borde de sí mismo. Tercera edición: Exploraciones desde un espacio exterior. Curaduría: Alejandro Tantanian y Javier Villa. Artistas participantes: Ernesto Ballesteros, Agustina Comedi, José Guerrero, Porkería Mala, Marina Otero, Tótem Tabú y Gustavo Tarrío. Funciones: del 18 de mayo al 2 de julio de 2023. Sala C - Primer Piso. Christian Roman. Detalle de (Á)ngel - Tríptico S.A.B de la serie “Guía angelical”, 2022-23, lápices y lapicera sobre papel A 18 minutos del sol. Curaduría: Javier Villa y Marcos Krämer. Diseño de montaje: Iván Rösler. Artistas participantes: Antonio Berni, Erica Bohm, Martha Boto, Manuel Brandazza, Feliciano Centurión, Elda Cerrato, Raquel Forner, Daniel García, Carlos Luis García Bes, Noemí Gerstein, Silvia Gurfein, Miguel Harte, Alicia Herrero, Gyula Kosice, Fernanda Laguna, Benito Laren, Víctor Magariños, Estanislao Mijalichen, Ad Minoliti, Alicia Penalba, Xul Solar, entre otros. Inaugura: 24 de mayo de 2023. Salas E y F - Primer Piso. Nicolás García Uriburu. "Cotorra y Museo Guggenheim", 1969, óleo sobre tela Manifiesto verde. Curaduría: Alejandra Aguado. Asistencia curatorial: Rodrigo Barcos. Artista interlocutora invitada: Florencia Böhtlingk. Diseño de montaje: Daniela Thomas. Artistas participantes: Nicolás García Uriburu en diálogo con Florencia Böhtlingk, Melé Bruniard, Juana Butler, Feliciano Centurión, Raquel Forner, Ricardo Garabito, Lido Iacopetti, Marcelo Pombo, entre otros. Inaugura: 29 de junio de 2023. Salas A y B - Planta baja. Mariana Ferrari, Sin título, 2018. Acrílico, gesso, cemento y tela sobre madera perforada. 320 x 420 cm.  Cien caminos en un solo día. Curaduría: Jimena Ferreiro. Puesta en escena: Luciana Lamothe. Artistas participantes: Facundo Belén, Eugenia Calvo, Paula Castro, Tomás Espina, Mariana Ferrari, Diego Figueroa, Irina Kirchuk, Martín Legón, Valentina Liernur, Tomás Maglione, entre otros. Inaugura: 29 de junio de 2023. Salas G - Segundo Piso. Marta Minujín, "La destrucción", 1963, fotografía Juguetes rabiosos. Curaduría: Patricio Orellana. Artista interlocutor invitado: Joaquín Aras. Diseño de montaje: Daniela Thomas. Artistas participantes: Noemí Di Benedetto, León Ferrari, Alberto Greco, Alberto Heredia, Marta Minujín, Dalila Puzzovio, Luis Wells, entre otros. Inaugura: 3 de agosto de 2023. Sala C - Primer Piso. Oscar Araiz. "Crash", 1967. Fotografía analógica blanco y negro. Elenco: Oscar Araiz, José C. Campietelli, Esther Ferrando, Lía Jelín, María Julia Bertotto, Horacio Pedrazzini, Ana María Stekelman. Cortesía de Lía Jelín La vida nuevamente. Danza y experimentación en los años sesenta en Buenos Aires. Curaduría: Francisco Lemus. Asistencia curatorial: Violeta González Santos. Diseño de montaje: Daniela Thomas. Artistas participantes: Oscar Araiz, Edgardo Giménez, Ana Kamien, Kado Kostzer, Marilú Marini, Graciela Martínez, Iris Scaccheri, Alicia Sanguinetti, Leone Sonnino, Susana Zimmermann, entre otros. Inaugura: 3 de agosto de 2023. Sala I - Segundo Subsuelo. Alejandra Fenochio, "La Yaguarete", 1995. Acrílico sobre tela, 170 x 100 cm Cultura colibrí. Curaduría: Jimena Ferreiro. Anfitrión: Fernando Noy. Diseño de montaje: Daniela Thomas. Artistas participantes: Diana Aisenberg, Sergio Avello, Batato Barea, Foto Estudio Luisita, Sergio de Loof, Alejandra Fenocchio, Luis Frangella, Ana Gallardo, Jorge Gumier Maier, Federico Klemm, Fernanda Laguna, Bárbara la Vogue, Alfredo Londaibere, Gustavo Marrone, Marta Peluffo, Pablo Suárez, entre otros.  Inaugura: 3 de agosto de 2023. Sala C - Primer Piso. Faivovich & Goldberg. Curaduría: Javier Villa. Inaugura: 24 de agosto de 2023. Sala D - Primer Piso.   Puede visitarse lunes, miércoles, jueves y viernes de 11 a 19; sábados, domingos y feriados de 11 a 20. Martes: cerrado.  Entrada general: 50 pesos para visitantes residentes en Argentina. Miércoles, entrada gratuita para público general.   Museo de Arte Moderno (Avenida San Juan 350).  

La palabra Dō refiere al camino, al perpetuo andar que no termina ni se abandona. El Museo Nacional de Arte Oriental inaugura una nueva exhibición temporaria en la sala de arte contemporáneo bajo la curaduría de Mami Goda.

Dō es  un concepto japonés vinculado a las artes tradicionales que remite a la acción de entrenar el cuerpo y la mente a través de la práctica. Esta muestra recorre parte del camino de los artistas Julieta Jiterman y Juan Pablo Marturano quienes, desde enfoques creativos distintos, se comprometen con la rutina: el camino (ruta) en el hábito ritual (rutina).

Julieta Jiterman aborda el Sumi-e, la pintura tradicional japonesa realizada con tintas, con un variación: usa un material infrecuente para esta práctica, el aluminio, para recorrer el camino del pincel. Por su parte, Juan Pablo Marturano integra el montañismo y su práctica artística como escultor: talla una piedra y la deja como ofrenda en una cumbre —del Monte Fuji, por ejemplo— a la vez que recoge otra piedra de esa cima como testimonio de su paso y la retrata.

En palabras de Mami Goda: “Jiterman y Marturano han elegido Japón como destino para una parte de su formación y han incorporado esa experiencia en su quehacer artístico que continúa siendo determinante en el camino que cada uno sigue transitando hoy. Una huella de ese paso puede verse en esta exhibición”.

Del 14 de junio al 5 de noviembre. Puede visitarse de miércoles a domingos de 14 a 20.  Entrada libre y gratuita.

Museo Nacional de Arte Oriental (Viamonte 525).  Segundo piso del Centro Cultural Borges.

Museo Nacional de Arte Oriental

Ministerio de Cultura de la Nación

Viamonte 525, 2do piso, Ciudad Autónoma de Buenos Aires

El Centro Cultural Borges presenta la exposición de arte textil El Canto del Cisne. Se trata del segundo capítulo de la investigación artística que realiza Nicole Mazza este mito. Con la curaduría de Irene Gelfman. Mazza tomó como punto de partida el relato de Leda y el cisne y, a través de su bordado, creó una nueva narrativa poética plasmada en 32 obras. Dice Irene Gelfman, curadora de la muestra, “En un juego de apropiaciones y reescritura de un relato tradicional, la artista le da a las protagonistas la posibilidad de un destino diferente a partir de la unión de fragmentos, de zurcir patrones y de bordar finales alternativos”. La historia de Leda y el cisne es uno de los relatos más sensuales de la mitología griega y explica de manera alegórica las pasiones y debilidades humanas. Según el mito, el dios Zeus descendió del Olimpo en forma de cisne y se presentó ante Leda quien fue poseída por el animal dando a luz a sus hijos mortales. Nicole Mazza tomó este mito como punto de partida y a través de su bordado creó una nueva narrativa poética. Mazza trabaja con textiles y bordados para crear obras figurativas que, en una primera instancia, parecen escenas de mujeres dóciles, pasivas y sensuales, pero a medida que nos acercamos encontramos un twist, los cuerpos curvilíneos y danzantes cortan, castran y matan. En esta serie, hay ciertos elementos que se repiten como leitmotiv: las tijeras y los cisnes. Las primeras, herramientas de costura por excelencia, utilizadas para crear y hacer cosas útiles, representantes del women's work, son utilizadas en la iconografía de Mazza por los personajes femeninos cuyos cuerpos remiten a ninfas de la antigüedad o bien a las vírgenes presentes en las iglesias europeas, como armas de castración. El cisne, animal que desde la antigüedad y para muchas culturas, representa la espiritualidad, la luz, la pureza, la elegancia, la sabiduría divina y la purificación, aparece fragmentado en distintos lugares de la sala creando una atmósfera de extrañamiento. Hay un juego de contradicción que utiliza la artista constantemente para generar cierta incomodidad en el espectador e invita a reflexionar sobre la condición humana y la cultura en la que estamos insertos, donde los mitos de origen están atiborrados de hechos atroces como violaciones y concepciones erróneas del mal llamado amor romántico. Nicole Mazza trabaja con imágenes que la interpelan ya sea porque las vivió o son parte de su historia e intimidad. La artista tiene una forma de trabajar metódica y en serie. Se obsesiona con un relato o imagen y lo vuelve su objeto de investigación. Mazza desarrolla una iconografía particular para dar cuenta del vínculo con su cuerpo y la relación con otro; con un sello de identidad propio, resultado de la convivencia de diversos mundos y de una cultura visual peculiar, en la que abundan las imágenes religiosas, la culpa, la sexualidad, el ídolo, las pinturas renacentistas, los mitos y las simbologías.   Del 6 de septiembre al 30 de noviembre. Puede visitarse de miércoles a domingo de 14 a 20. Centro cultural Borges (Viamonte 525).   Fuente: Patricia Ludueña, Prensa Comunicación Institucional    

Esta muestra es una oportunidad para revisar el impacto de uno de los mitos americanos más influyentes en la historia de la humanidad. Con la curaduría de Adriana Rosenberg, Aimé Iglesias Lukin y Ramiro Martínez. Procedentes de instituciones públicas y privadas, y colecciones particulares, una selección de obras de artistas latinoamericanos atraviesa - mediante videos, instalaciones y performances - temas que van desde la materialidad, el sincretismo, los procesos de transformación y el paisaje de un territorio pródigo en recursos y materias primas que cambiaron el mundo a partir del siglo XVI. Agrupadas en distintos núcleos argumentales se presentan piezas emblemáticas como la balsa de Clorindo Testa, los experimentos con la papa de Víctor Grippo y los mensajes dorados de Mathias Goeritz, Stefan Brüggemann, Laura Vinci, Leda Catunda y Olga de Amaral; se suman Pedro Terán, Mazenett & Quiroga, Andrés Bedoya, Betsabée Romero, Ximena Garrido Lecca, Santiago Montoya, Gastón Ugalde, Iván Argote, Tania Candiani, Florencia Sadir y Benvenuto Chavajay Ixtetela; Marta Minujín paga la deuda externa argentina con maíz y Evi Tártari construye textiles con chalas, entre otras obras que conviven con objetos originales del período colonial cedidos en préstamo por el Museo Fernández Blanco, entre ellos, la serie de capas pluviales, el par de alas de plata y una coquera realizada en el mismo material durante el siglo XIX. El dorado. Un territorio es un proyecto conjunto de Fundación Proa, Americas Society y el Museo Amparo. Las tres instituciones se reunieron entre 2021 y 2022 para profundizar en la problemática del mito de El dorado y su vigencia. El resultado de esta iniciativa se estructura en tres exhibiciones, no itinerantes, a desarrollarse a lo largo de 2023 y 2024 en Buenos Aires, Nueva York y Puebla. Cada una de ellas busca reflejar dilemas y puntos de vista propios sobre la leyenda y el alcance que tuvo en sus respectivas regiones. El proyecto curatorial incluye un programa público educativo compartido por las tres instituciones “El dorado, ¿existió o no? Proa decide abordar el tema a partir de esta pregunta, para buscar respuestas en el territorio. ¿El dorado existió a través de las materias primas y la inmensidad de recursos que había en América?. Marta Minujín lo expresa en su obra Pago de la deuda externa argentina a Andy Warhol, en la que salda la deuda con maíz. Podemos decir que todas esas riquezas del Nuevo Mundo cambiaron la vida cotidiana de Oriente y Occidente, por supuesto, sin olvidar el costo y las consecuencias que tuvo para los protagonistas”, explica Adriana Rosenberg, directora de Fundación Proa. “¿Por qué obras de arte contemporáneo, y no históricas? En principio, somos un centro de arte contemporáneo, y creemos que revisitar la historia exige hacerlo con herramientas del presente como el video, la fotografía, las instalaciones. Es el lenguaje al que estamos acostumbrados, tanto el artista como el espectador”. El Dorado, un territorio está concebida por el equipo de Fundación Proa sobre la base de la investigación realizada durante el Seminario a cargo de Edward Sullivan. EL MITO DEL DORADO Clorindo Testa. El espejito dorado, 1990   El supuesto caudal de metales preciosos y extraordinarias riquezas que se encontraban en América despertó la fascinación de los aventureros en el siglo XV, entonces convencidos de la existencia real de un lugar llamado El dorado, una “región de riquezas incalculables, cuya imagen surge del relato deformado de las ceremonias de los chibchas en la laguna del rey Guatavita y despliega luego en el imaginario de la mítica ciudad de Manoa. Se trata de un auténtico u-topos, un no-lugar cuyo espejismo desata las más exageradas ilusiones, motoriza penosas aventuras y acaba en tremendas acciones” escribía en sus apuntes Graciela Sarti, a propósito de un ensayo publicado en 1990 por el Grupo CAyC. Esos tesoros yacían a lo largo y ancho del continente y eran sustento esencial de las comunidades locales. Papa, batata, maíz, territorio, América del sur, oro latinoamericano, artesanía y alimentos aparecen en las obras de los artistas convocados que exploran esos recursos naturales en un lenguaje contemporáneo. EL DORADO. UN TERRITORIO, LA EXHIBICIÓN Mazzenett-Quiroga. Selva Intervenida, Pacífico colombiano, 2018. Impresión digital y pan de oro scaled   La balsa, el viaje y el río dan inicio al recorrido haciendo énfasis en el revisionismo crítico sobre la historia de El dorado mediante las obras de Clorindo Testa, Fernando Bryce, Carolina Caycedo y Víctor Grippo. Los motivos del oro están pensados en términos generales, aquí asociados al espejismo, a la fantasía. El dorado como representación y materialidad en el territorio plástico se aprecia en los monocromos de Mathias Goeritz y Stefan Brüggemann, y lo vemos aplicado a la idea de poder en las capas pluviales del Museo Fernández Blanco y en las piezas de Leda Catunda. Andrés Bedoya, Tania Candiani y Sandra Gamarra son algunos de los artistas que recuperan técnicas, sabidurías ancestrales, mitologías de sus países de origen y rescatan el tejido, la artesanía, el idioma y el paisaje. El espectador se sumerge en el territorio del mito y sus riquezas de la mano de las fotografías de Mazenett & Quiroga, dúo de artistas colombianos que trabaja sobre el paisaje del Amazonas y el sitio donde se extrajo el metal; aparecen el maíz y el caucho en el trabajo de Betsabeé Romero, la hoja de coca en el de Gastón Ugalde. El cacao surge con forma de chocolate en las figuras de Santiago Montoya, el cobre en la de Ximena Garrido Lecca, que se ocupa de pensar el territorio peruano en términos de lo que le dio al mundo y en el hecho de haberse convertido en el segundo exportador de cobre del planeta. “Vuelan” las moscas de Andrés Bedoya, destacan el par de alas y las monedas de plata que evocan los procesos dramáticos de la explotación de este metal en las minas de Potosí, y que introdujeron el concepto de valor y le dieron la riqueza a España. Si pensamos esta exhibición como un viaje por el túnel del tiempo, al final de la escena el espectador podrá visualizar lo que podría considerarse el verdadero dorado: la papa, el maíz, el tomate, la batata. Eso parece expresar Marta Minujín, que paga la deuda externa a Andy Warhol con maíz, mientras que el guatemalteco Benvenuto Chavajay Ixtetela recupera la historia reciente de la violencia en Colombia, Venezuela y Guatemala apelando a esa narrativa para construir elotes o choclos con balas. La artista tucumana Evi Tártari hace telas y cortinas de chala para resaltar la importancia del choclo en su tierra. La ruta de la papa, la papa de Víctor Grippo, la batata de Iván Argote y la pieza de Tania Candiani teñida de rojo con tinta de cochinilla nos recuerdan a otros de los commodities que América legó al mundo.     Del 1° de abril al 30 de agosto. Puede visitarse de miércoles a domingos de 12 a 19. Entrada general, 500 pesos; estudiantes y jubilados, 300; menores de 12 años y personas con discapacidad, sin cargo. Fundación Proa (Pedro de Mendoza 1929).

En este Proyecto Sofía López Mañán, la artista e investigadora de la Beca National Geographic y Beca Pulitzer, abre un nuevo universo de conocimiento deconstructivo sobre el humano y la naturaleza. Con la curaduría de Fabiana Bareda. Sus obras premiadas de carácter experimental serán expuestas en el Centro Cultural Rojas abriendo un espacio de diálogo con artistas, científicos, estudiantes gestores e investigadores. e presenta el anteproyecto de su libro junto a sus fotografías, video e instalaciones. Pensar el Caos creador como una nueva estrategia para reconstruir al sujeto y el planeta en la era del Antropoceno.   Del 4 de julio al 10 de agosto. Puede visitarse de lunes a viernes de 14 a 22. Centro Cultural Rojas (Corrientes 2040).

La galería Rubbers presenta  Entre el dolor y la gloria, una muestra individual de Daniel Corvino, con la curaduría de Julio Sapollnik, que escribió el prólogo de esta exposición: "La pintura de Daniel Corvino exalta la unión entre las personas. Las imágenes que crea encuentran, como diría Nietzsche: “la embriaguez de la intensificación” por compartir un hecho sucedido.  Esto ocurre tanto en sus escenas cartoneras, como de reivindicación social o por la felicidad del pueblo al ganar el campeonato mundial.  "El cuadro ofrece así una lógica sinfónica dada por el tiempo que permanece la mirada, la fuerza de ciertas particularidades formales y la gran seducción que ofrece su personal cromatismo. Pero no siempre fue así.   "El tiempo en pandemia alejó a la gente de las calles y la reclusión obligatoria lo aisló de las vibrantes tonalidades. El blanco y negro invadió su interioridad, lo alejó de la melodía del color y lo sumergió en una desesperación atonal. No solo las calles, las estaciones del subterráneo y las plazas se habían despoblado, sino que, al mismo tiempo, su espacio compartido con amor, se había partido.  La soledad que apareció en sus dibujos era también la soledad de su corazón.  Después llegó una nueva etapa. Al principio las imágenes nacían de lentas armonías, intentando volver a la forma desde un cromatismo austero. Hoy su pintura se impone a la mirada, está llena de vida y el color volvió con todo su impromptu, expresando en las nuevas obras la sorpresa de una juvenil creación".    Puede visitarse del 26 de julio al 30 de agosto. Puede visitarse de lunes a viernes de 14 a 19. Galería Rubbers (Av. Alvear 1640 PB).  

Juan Becú y Lux Lindner exhiben sus obras con la curaduría de Julián Manzelli y Laura Spivak  en una muestra que reúne obras de artistas argentinos de distintas generaciones. La exposición pone el foco en la particular mirada del arte contemporáneo sobre la creación de personajes y los universos a los cuales transportan, organizandose a partir de tres ejes principales de trabajo, narrativa y atmósfera, que ayudan a ordenar este viaje en una forma bastante análoga a la historia de la humanidad misma y su relación con estas criaturas artificiales.   Del 19 de Julio al 15 de septiembre. Centro Cultural Recoleta (Junín 1930).