Mahuida: Pintura de los Andes presenta paisajes patagónicos contemporáneos con los que el artista busca transmitir la majestuosidad de esos escenarios de la Argentina meridional, motivando su cuidado y preservación para las generaciones futuras.
Con tan solo 30 años este artista emergente ya ha realizado numerosas exposiciones en la Argentina, así como en diversos países de Europa y en los Estados Unidos. Ha sido galardonado con destacados premios nacionales y fue reconocido por el Concejo Deliberante de Villa la Angostura como personalidad destacada en el rubro cultural (2017).
Otros artistas cordilleranos acompañan la muestra de Guido Ferrari, se trata de los escultores Martina Sosa y Emanuel Céliz, y las tejedoras de Bordellita, a cargo de Valentina Sordelli. Una oportunidad para experimentar la majestuosidad de la cordillera en el corazón de la ciudad capital.
Del 10 de mayo al 28 de junio. Puede visitarse de lunes a viernes de 10 a 15.
Espacio de Arte del Banco Ciudad (Florida 302). 
Ensayos naturales es una exposición en dos capítulos. En el primero de ellos, doce paneles de la instalación pictórica Argentina (paisajes), 2009-13, del dúo Mondongo (Juliana Laffitte, Buenos Aires, 1974; Manuel Mendanha, Buenos Aires, 1976), conviven con otras doce pinturas de Luis Ouvrard (Rosario, 1899-1988) realizadas entre 1966 y 1986. En un recorrido que semeja un bosque escenográfico, los paisajes tupidos, inquietantes y de gran escala de Mondongo se contraponen las obras de pequeña escala de Ouvrard que, sobre una mágica pampa santafesina, llaman la atención sobre los frutos de la tierra.
El proyecto busca poner en valor a la pintura como un acto de imaginación que permite volcar la mirada maravillada sobre lo que nos rodea y hacer visible la vitalidad y capacidad de transformación del espacio que habitamos.
Si bien presentan panoramas en apariencia opuestos, ambos conjuntos de obras –que son exhibidas en duplas en soportes individuales– comparten la fuerza para hipnotizarnos y sumergirnos en la conciencia de que la naturaleza está “repleta de acontecimientos fantásticos”, tal como escribió, refiriéndose a la experiencia de la noche, el naturalista Henry David Thoreau, de cuya compilación de ensayos está tomado el título de este proyecto.
Ouvrard ofrece la experiencia singular de una pintura que es paisaje y naturaleza muerta al mismo tiempo, en la que la tierra es mesa, la mesa, huerto, y la fruta, ofrenda, fantasía y cuerpo. Por su parte, Mondongo, propone una pintura cinematográfica e infinita, que nos envuelve con su profundidad y movimiento. Juntos, estos artistas ensayan una nueva geografía y biología metafísica, invitando a un paseo que, sin llegar a ser laberíntico, propone perderse, esconderse y observar.
A partir de diciembre, las mismas pinturas de Mondongo estarán acompañadas por collages de la artista Rosana Schoijett (Buenos Aires, 1969), en los que predomina la aparición de la flor: otra expresión de la belleza y riqueza del suelo que a su vez revela nuestra necesidad y deseo de crear pequeños paraísos en la tierra.
La vida que explota propone un diálogo entre el conjunto escultórico de cinco seres antropomorfizados que Gabriel Chaile presentó en la Bienal de Venecia en 2022 –expuestos ahora de modo permanente en Malba Puertos– y las obras textiles de la artista wichi Claudia Alarcón y el colectivo de tejedoras Silät.
Las criaturas totémicas de Chaile llevan los nombres de los miembros de su familia y son el resultado de un proceso de mutación que comienza con la fascinación por el poder de la imagen y la sugestión del lenguaje estatuario. Chaile recupera sus orígenes en la forma de esculturas monumentales de barro, artefactos que también pueden ser encendidos, dar calor y funcionar como hornos que producen alimentos.
En diálogo con estas esculturas, se presentan aquí piezas de arte textil de la artista salteña Claudia Alarcón y del colectivo de tejedoras Silät, que reúne a mujeres wichis que luchan por la defensa de la memoria colectiva y la creatividad de su cultura. Estas artistas trabajan el hilado de chaguar –una planta herbácea con hojas suculentas y espinosas, distintiva del Gran Chaco de la cultura wichi– con imágenes contemporáneas y complejos ensamblajes geométricos. Los textiles de chaguar hace mucho circulan en las ciudades en forma de bolsas, llamadas yicas, y en estos últimos años han crecido para ser grandes paños pensados para la contemplación y ya no para el uso.
Las piezas textiles enlazan diseños del lenguaje visual del pueblo wichi, que se interrumpen y resignifican con explosiones que son pronunciamientos de fuerza y de alegría que crecen. Ocupan el espacio de una forma nueva, para alcanzar lo que fue antes arrebatado como destino. Junto a las criaturas de Chaile, proponen recuperar personajes e historias que desobedecen a las negaciones de la memoria que impone la colonialidad.
Cruzando el concepto de reserva técnica del museo –el espacio en que se resguardan las obras cuando no están en exhibición– con el de la reserva natural de Puertos, Amadeo Azar crea una serie de acuarelas que relacionan una selección de obras de la Colección Malba con la flora y fauna autóctona de la zona.
La singularidad de la reserva técnica de Malba Puertos está dada por una amplia vidriera que deja ver tanto lo que sucede adentro en un ambiente controlado y artificial, como lo que sucede afuera en la espontaneidad de la naturaleza. Como en las Wunderkammer –las cámaras de maravillas del siglo XVI en donde el público podía apreciar ejemplares exóticos del arte y de la naturaleza–, ambos mundos aquí se acercan.
En este marco espacial, ajeno al de la exhibición tradicional museística, Azar pone en primer plano obras de artistas como Alejandra Seeber, Jorge Gumier Maier, Magdalena Jitrik y Liliana Maresca, entre otros. Reinventándolas en sus pinturas, transforma el significado original de las obras, conectando arte y naturaleza y generando poderosos desplazamientos de sentido. Se trata de un homenaje a otros artistas y también a una historia en común que los une.
Dice la artista Leticia Obeid, invitada a escribir sobre esta muestra: “Al retratar las obras elegidas, Azar les ha dado el abrigo del tiempo, las ha imaginado sobreviviendo a una catástrofe, ha alargado sus vidas, así como dice la superstición que sucede cuando soñamos la muerte de alguien querido. En este escenario acuático, la pintura y la escultura se mezclan con hojas, tallos, flores y árboles. Si el fin del mundo humano ya ocurrió, ellas parecen haber sobrevivido en todo su esplendor”.
La serie de intervenciones en la reserva de Malba Puertos se creó para que sucesivos artistas invitados trabajen con las nociones de exhibición y de resguardo como disparadores para crear obras inéditas, para refrescar la mirada hacia otras conocidas, pero quizás olvidadas, y para repensar el rol de la arquitectura, el coleccionismo y los espacios de exhibición y de guarda.
Curadoras: Cinthia Kazez y Lucila García de Onrubia. Artistas: Agustina Woodgate, Benjamin Felice, Daniel Basso, Deon Rubi, Federico Cantini, Florencia Sadir, Gabriel Fortunato Chalabe, Grupo Bondi, Item, Marcolina Di Pierro, Mariela Vita, Marina Ercole, Ramiro Quesada Pons, RIES, Sietes y Sofia Durrieu.
¿Qué es un mueble y qué es una escultura? ¿Existe un punto preciso en dónde termina la funcionalidad y comienza la poética? En Mueble escultura, las ideas de utilidad e inutilidad se trastocan y nos confrontan con nuestras ilusiones y prejuicios en el borde de lo posible, donde el arte y el objeto de uso se amalgaman y se cuestionan mutuamente.
Este proyecto nació de la necesidad de desarmar categorías convencionales y de desafiar las expectativas que ponemos sobre los objetos. Provenientes de diferentes rincones de la Argentina, las piezas desdibujan la funcionalidad con un uso imaginado, una interacción no predeterminada, guiada por el deseo de explorar: almohadas de cemento que desafían la percepción de confort, una moldura de crema gigante que evoca a un asiento urbano, un dispositivo que provee bolsas de agua potable en caso de emergencia, criaturas que invitan a descansar sobre ellas, un tótem para trepar y reposar el cuerpo, muros de ladrillos de barro que guardan técnicas antiguas y mensajes, mesas que se niegan a sostener objetos en un aparente acto de rebeldía.
Las Salas del Bosque, un espacio al aire libre donde dialogan arte, arquitectura y naturaleza, proporcionan el contexto ideal para la indagación accesible e inclusiva. Pero permiten también algo más íntimo: una reflexión sobre lo que significa habitar el mundo, sobre cómo nos movemos a través de él y cómo a veces, al igual que estos muebles-escultura, necesitamos alejarnos de las definiciones rígidas que intentan contener lo que, en esencia, es inclasificable.
¿Es posible la existencia de un mueble disfuncional? ¿Puede ser el arte útil a un cuerpo? Mueble escultura abre un campo de experimentación en el cual las disciplinas se entrecruzan y las clasificaciones se diluyen. En este terreno difuso se revela su verdadero poder: la capacidad de generar un espacio de libertad y reflexión.
El Circuito de Arte Público recorre toda la ciudad de Puertos en armonía con el Lago Central de doscientas hectáreas y la Reserva Natural sobre el Río Luján. Está compuesto por veintitrés piezas diseminadas a lo largo de un museo sin paredes, que transforman el paisaje y crean sorprendentes espacios de uso comunitario. Estas esculturas e instalaciones de gran escala dialogan con el entorno que las circunda –el paisaje, la vegetación, las condiciones ambientales, la arquitectura– ofreciendo una vivencia única a los visitantes de todas las edades. Las esculturas monumentales de Gabriel Chaile son parte del circuito y se emplazan en su propia sala en Malba Puertos.
Escribe la crítica María Gainza: “Caminar en contemplación es una actividad que no funciona con escépticos. Es necesario una pizca de credulidad, creer en el poder del arte y en la potencia de la naturaleza. Emplazadas a la orilla de la laguna, entre plantas nativas, en medio de plazoletas, escondidas en la reserva, las esculturas tienen aire alrededor, eso que los museos y galerías siempre están obsesionadas en prefabricar. Y ese aire, como un ectoplasma, va uniendo las imágenes con tus pasos”.
Artistas: Pablo Accinelli, Florencia Almirón, Daniel Basso, Diego Bianchi, Gabriel Chaile, Martín Blaszko, Fabián Burgos, Eugenia Calvo, Paula Castro, Matías Duville, Carolina Fusilier, Daniel Joglar, Irina Kirchuk, Irene Kopelman, Mimi Laquidara, Artur Lescher, Jorge Macchi, Hernán Marina, Sebastián Mercado, Ramiro Oller, Sol Pipkin, Nicolás Robbio, Marcela Sinclair.
Del 22 de septiembre al 2 de marzo 2025. Puede visitarse de martes a domingo de 12 a 19. Lunes cerrado
Entrada libre y gratuita.
Malba Puertos (Alisal, Puertos, Av. de la Bahía 160, Belén de Escobar, Provincia de Buenos Aires). 
Si bien Melisa Craviotti es mecánica dental de profesión, su verdadera pasión es el arte. Pero para ella, no es un hobby, se lo toma muy en serio y trata de perfeccionarse día a día. A los 23 años ingresó a un taller de restauración y trabajó varios años con su profesora haciendo patinas, restauración de muebles e incluso, se atrevió a un taller de marcos. A los 27 años comenzó con el dibujo y la pintura. Y ahí descubrió su pasión. Trató de familiarizarse con todas las técnicas y tiene un gran afán por perfeccionarse y adquirir nuevos conocimientos.
Es una gran dibujante, algo de lo que se vanagloria de haberlo aprendido ella sola y su técnica preferida es el acrílico, aunque también ha incursionando con los marcadores. La fotografía es para ella una gran fuente de inspiración.
En esa búsqueda que la lleva a hurgar en otras disciplinas, también ha incursionado en la joyería, trabajando con piedras, cueros, cristales y gran variedad de metales. Sin duda, lo suyo es la creación por el lado que llegue.
Ha participado en acciones junto a la Fundación de Arte Inclusivo y el apoyo de Red Nap e Identidad Argentina. El año pasado, en Luján se juntaron para pintar un mural de 130 metros de largo por 3 metros de alto en conmemoración y pedido de justicia por el asesinato de Joaquín Bustos. Fue en el marco de Arte & el Deporte, como grandes aliados por la Inclusión y la Paz. Melisa fue una de las artistas que participapó en la elaboración de ese mural. Esta fundación tiene como propósito que los artistas puedan vivir del arte y brindarle todas las herramientas para que puedan hacerlo: visibilizar sus obras, articular con el ecosistema productivo y ofrecer formación entre otros.
“Estos dos últimos años la pandemia nos encerró y nos trajo muchas emociones, -dice Melisa Craviotti-. Lo aproveché para hacer cursos online y pintar mucho. Lo más importante es sacar cosas positivas en momentos difíciles. Cuando estoy mal lo mejor que puedo hacer es pintar ya que con eso paso a ser feliz en segundos. Estoy muy agradecida de poder dedicarme a lo que más me hace feliz: el arte”.
Del 8 al 30 de junio. Puede visitarse de lunes a viernes de 11 a 17.
Galería Centoira (French 2611),
La exposición, compuesta por 130 obras, se presenta por primera vez en Argentina y está organizada por la Boris Lurie Art Foundation (BLAF), de la ciudad de Nueva York, por el Museo Judío de Buenos Aires y por el Centro Cultural Borges de Buenos Aires.
La muestra se exhibirá en dos sedes: el Museo Judío de Buenos Aires ubicado en Libertad 769 (que inaugurará el martes 10 de octubre). Y en el Centro Cultural Borges, ubicado en Viamonte 525. Para las exposiciones en Argentina, la Boris Lurie Art Foundation (BLAF), imprimió un catálogo bilingüe, que se presentará en el marco de las exposiciones. En ambas sedes la entrada es gratuita.
Dice Liliana Flugelman, curadora de la exposición en el Museo Judío de Buenos Aires: "Entrar en el mundo de Boris Lurie podría ser un acto de voyeurismo, sin embargo, es un acto de fe. Una promesa de purgatorio, expiación del pecado de ser, de existir, de sobrevivir y continuar la vida en un mundo banal vaciado de sus afectos más tiernos y profundos. El primer contacto con la obra de Lurie es una experiencia que impulsa a abandonar nuestra zona de confort y adentrarse en las profundidades de un alma dañada por algo que nunca llegaremos a comprender. Esa no comprensión posiblemente sea el punto de contacto con el artista, se siente el latigazo de su experiencia, que no podemos nombrar ni explicar.
Su derrotero es sincrónico con la historia del arte, tributario del expresionismo alemán, sus trabajos de la primera época exultantes de densidad gráfica conforman un estilo acorde a los tiempos de una Europa azotada por desatinos y flagrancias. La "Serie de la guerra” de los años 1946/1950 revela al artista con vocación de reportero gráfico, descarnado, ya vacío, teñido de horror y tormento. Resalta las figuras fantasmagóricas con tizas y pasteles acentuando el carácter sombrío de las escenas. El trazo desmaterializado y desnudo de algunos dibujos y bosquejos se posiciona en el papel de una manera lateral, dislocada. En estos el lenguaje plástico es austero, contenido, pero impacta ciertamente haciendo ecos de la experiencia de la angustia.
Con la "Serie de Mujeres desmembradas" comienzan sus preocupaciones relacionadas al cuerpo femenino. La sensualidad cede su lugar a cuerpos inmóviles, estáticos, distorsionados, en tortuosas poses carentes de naturalidad. Todavía está muy fresco en su memoria el recuerdo de los horrores padecidos en los campos donde se daba la batalla de Eros y Tánatos.
Boris Lurie apeló a la superposición de pin-ups (imágenes de mujeres con poca ropa y actitud pícara) produciendo obras que remiten a los moodboards o tableros de las campañas de publicidad durante los años 60, a los armarios metálicos de los soldados americanos enlistados y, en un sentido extendido, a las pizarras con fotos de los desaparecidos buscados por sus familiares al final de la guerra. Este regodeo de imágenes desparramadas en su modesto estudio constituye el repertorio de recursos con los cuales Boris Lurie evoluciona hacia la consolidación de su identidad artística en un ejercicio de exorcismo que le es vital."
Del 11 de octubre al 26 de noviembre. Puede visitarse de miércoles a domingos de 14 a 20 con entrada libre y gratuita.
Centro Cultural Borges (Viamonte 525). 
MAHUIDA: PINTURA DE LOS ANDES
Guido Franco Ferrari se despide de su la muestra que presenta en el Banco Ciudad...
