Sansui reúne un conjunto de obras sobre papel realizadas por Kazuya Sakai (Argentina, 1927 - Estados Unidos, 2001) en distintos momentos de su trayectoria, configurando una breve antología a modo de homenaje. Toma el título de una de sus últimas series, con un término que literalmente significa montaña (san) y agua (sui) para referirse a la pintura tradicional japonesa del paisaje. Nacido en Argentina y educado en Japón, Sakai desarrolló una labor sostenida de difusión de la cultura japonesa a través de su trabajo como gestor cultural, traductor, editor y académico. Su producción pictórica, desde su pintura informalista de los años sesenta hasta los paisajes verticales que realiza hacia el final de su vida, se encuentra atravesada por referencias a aquella herencia cultural. Esta exposición permite vislumbrar los distintos períodos de su obra a partir del papel como soporte -que en ocasiones el propio artista realizaba-, y el modo singular en que en ella confluyen Oriente y Occidente, tradición y modernidad.    Del 30 de abril al 10 de junio. Puede visitarse de martes a viernes de 15 a 19.  Vasari Sur  - Entrepiso  Galería Larreta (Florida 971).

l Centro Cultural Borges y la Fundación Luis Felipe Noé presentan la muestra 122 de La Línea Piensa. En esta oportunidad, Tessi Arce presenta Se levanta la casa y Mariana Cannizzaro expone Tierra de la dicha. La Línea Piensa es un proyecto creado por Luis Félipe Noé y Eduardo Stupía destinado a visibilizar a los artistas del dibujo de nuestro país. Dice Eduardo Stupía: En pleno uso de los recursos técnicos que saben extraerle al núcleo de la disciplina, Tessi Arce y Mariana Canizzaro se mueven a sus anchas en el territorio del dibujo, según un derrotero que abarca diversos territorios, entre la fábula y la vida doméstica, la familiaridad y la extrañeza, lo incógnito y lo cotidiano, la fantasía y la revelación. También, con más o menos apego a una narratividad que oscila entre el registro alusivo/ naturalista y el diario íntimo, o bien en busca de la exacta metáfora visual que dispute el centro de interés con los ecos de modelos representativos, ambas artistas parecen cultoras de una suerte de lirismo atemperado, donde importa más la claridad expresiva y la direccionalidad del signo que el regusto por el oropel excesivo, el hermetismo o la sobreactuación formal. Tan cómoda en el formato fanzine como en el grabado, Arce se aboca a textos e imágenes al despliegue de un punto de vista en explícita primera persona, en planos gráficos y escriturales concebidos con tanta vocación humanista como sensibilidad poética. Esa voz que se hace oír en la pura libertad de las frases y fisonomías evocativas, interpelativas o episódicas, repiquetea en los frottages como restos fósiles de una floresta imaginaria, en la empatía fisionómica y situacional con la que describe con penetrante agudeza de línea y trazo toda una galería de elocuentes personajes. Cannizzaro apela a la diseminación, a la fragmentación de los recursos gramaticales, a la síntesis autónoma de la silueta y a las citas de fraccionadas figuraciones para componer una suerte de expansivo mosaico morfológico. Un contrapunto de ornamentos, derrames y transparencias de linfática fluidez, con expresivas corporeidades frágilmente anatómicas dotadas de un fantasmal protagonismo, junto a una dinámica constelación móvil de pinceladas, manchas y evoluciones lineales de libre flotación en el plano, generan el poderoso efecto de un mundo en estado de perpetua metamorfosis. Fuente Patricia Ludueña . Prensa Comunicación Institucional.   Del 27 de septiembre al 12 de noviembre.  Puede visitarse de miércoles a domingo de 14 a 20 con entrada libre y gratuita. Centro Cultural Borges (Viamonte 525).  

En esta oportunidad, se trata de una invitación a recorrer el jardín del palacio, un lugar mágico que tantas veces fue utilizado para poder conectar a la familia Errázuriz Alvear con la naturaleza de ese paisaje. Hoy en él, vemos una fuente que antaño albergaba a dos cisnes, que le dieron su nombre. En el centro de esa fuente, vemos una pequeña figura decorativa. Al detenernos en ella, descubrimos que se trata de un niño sosteniendo un pequeño caimán de donde vierte agua a la fuente. Marcela Cabutti, artista responsable de la instalación situada que lleva como título Se va el caimán, se va el caimán reflexiona acerca del entorno del Museo Nacional de Arte Decorativo y los múltiples objetos que componen su colección. Con una visión contemporánea, recrea lúdicamente a aquellos caimanes realizados en diversos materiales que poblaron de una fauna exótica los palacios porteños durante el siglo pasado, transformando así nuestra fuente, con un piso de bolitas de vidrio azules, en el mar azul del caribe colombiano, del que salen otros caimanes mientras algunos más se instalan en la terraza. Es una linda forma de observar la belleza que nos brinda este hermoso espacio del Museo.   Del 14 de octubre al 10 de diciembre de 2023. Puede visitarse de miércoles a domingos de 13 a 19, con entrada libre y gratuita Visitas guiadas sin reserva previa: miércoles, jueves, viernes y sábados a las 16. Visitas grupales: visitasmnad@gmail.com y visitas escolares: educacionmnad@gmail.com Museo Nacional de Arte Decorativo (Av. del Libertador 1902).

En el distinguido palacio de la Fundación La Santa Faz, se anunció la XIV Bienal de Arte Sacro Contemporáneo. La primera Bienal de Arte Sacro se inauguró en el año 1986 por iniciativa de Monseñor Vetrano, con el fin de promover un espacio de encuentro entre arte y religión. Desde 2004 organizada por la Fundación Vetrano, ha invitado en sus 13 ediciones a artistas de Argentina y de otros países del mundo, a reflexionar sobre lo Sagrado, desde la promoción directa del arte sacro. La XIV edición de la Bienal de Arte Sacro Contemporáneo, que llevarán a cabo conjuntamente Fundación Vetrano y Fundación La Santa Faz en la Ciudad de Buenos Aires, convoca a la comunidad artística a reflexionar a través de sus respectivas creaciones acerca de lo Sagrado como expresión de la trascendencia del hombre hacia lo divino. Por la naturaleza misma del Arte Sacro se admitirán sólo aquellas obras que pudieran ser exhibidas en un espacio sagrado y que no ofendan a las comunidades religiosas. Se invita a los artistas que trabajan en el campo de las Artes Visuales: dibujo, pintura, iconos, escultura, instalaciones, fotografía, videos y arte digital a reflexionar sobre el Arte Sacro como una categoría capaz de crear espacios donde lo Eterno pueda insinuarse silenciosamente en lo visible. Un arte que permite que lo invisible cruce la materia y la transforme. OBJETIVOS ‒ Interrogar la relación entre la producción artística contemporánea y las múltiples relaciones de lo sagrado. ‒ Promover una síntesis creativa entre arte y fe. ‒ Transitar espacios públicos con un mensaje religioso y esperanzador, promover una manera religiosa de habitar el mundo. ‒ Explorar el arte sacro desde una perspectiva expandida, entendida como una categoría abierta y en constante reformulación, atravesada por las preguntas de nuestro tiempo. BASES Y CONDICIONES  Participantes. Requisitos de Admisión  ‒ Artistas de nacionalidad argentina y extranjera. ‒ Solo se aceptarán obras de artistas vivos, mayores de 18 años. ‒ Si la obra es realizada por más de un autor, la ficha de inscripción deberá indicar el nombre del colectivo de artistas y ser completada por uno de ellos, a quien se le entregará el premio. Obras. Requisitos de Admisión  Por la naturaleza misma del Arte Sacro se admitirán sólo aquellas obras que pudieran ser exhibidas en un espacio sagrado y que no ofendan a las comunidades religiosas. Pueden participar las siguientes expresiones de Artes Visuales: dibujo, pintura, íconos, instalaciones, escultura, fotografía videos y arte digital. No se aceptarán performances, happenings y otras obras de carácter efímero. La fecha de realización deberá ser posterior a 2015. Es requisito que la obra a presentar no haya sido premiada en otro concurso. Las medidas totales de los dibujos, grabados, fotografías o pinturas no deberán exceder los 200 cm de alto, 200 cm de ancho y 100 cm de profundidad. Las medidas son sugeridas y recomendadas para su selección. En caso de ir colgadas a la pared no podrán exceder 15 k de peso por cuestiones de montaje. Esculturas e instalaciones, la medida no deberá exceder los 2,50 cm de alto. Deben contemplar sus propias condiciones de estabilidad y mantenimiento. Video arte, video instalación, arte digital no deberán superar los 5 minutos. En el caso de las obras que necesiten instalaciones especiales estas deberán ser provistas por el artista. Las que utilicen imágenes, sonido o material preexistente deben respetar derechos de imagen, propiedad intelectual o cualquier otro derecho de terceros. Todas las obras deberán estar en condiciones de ser expuestas. CONVOCATORIA La convocatoria a la XIV edición de la BASC abre el 15 julio de 2025 y finaliza el 25 de octubre del mismo año. El artista deberá completar la inscripción durante el plazo de la convocatoria en el sitio web de la Fundación La Santa Faz. El artista deberá presentar 3 imágenes de la obra y/o hasta 3 videos, ficha técnica y un texto con las intenciones creativas de su autor o señalando aspectos relevantes de la obra presentada (esta sinopsis no deberá superar los 1000 caracteres). El artista deberá enviar un CV de máximo 1000 caracteres. OBRAS SELECCIONADAS Y FINALISTAS El 13 de diciembre de 2025 se darán a conocer las obras seleccionadas, en el sitio web de la Fundación Santa Faz. Se comunicará a los artistas finalistas la fecha, horario y lugar de entrega de las obras. Los artistas que participen en la BASC prestan su consentimiento para que la Fundación Santa Faz procese la reproducción de sus datos, fotos e imágenes de la obra, con el fin de difundir cultural y educativamente la Bienal, en todos los soportes, tanto en medios gráficos como digitales. Las obras contarán con un seguro de estadía. Los artistas deberán enviar y retirar sus obras por su exclusiva cuenta y riesgo y por medio de un transporte de su elección. La Fundación La Santa Faz y la Fundación Vetrano no serán responsables por deterioros, daños y perjuicios que puedan sufrir las obras por fuera de las Salas Temporarias del Museo. Al entregar las obras los artistas deberán completar una ficha de inscripción donde figurarán el nombre del autor, título, medidas, año de realización, técnica y descripción de la obra. La decisión del jurado es inapelable. Las obras finalistas se exhibirán en el Museo Nacional de Arte Decorativo del 19 de marzo al 3 mayo de 2026. PREMIOS No es premio adquisición. Primer Premio:  3.000.000 pesos; Segundo Premio: 2.200.000 pesos; Mención: 1.200.000 pesos; Premio estímulo: 800.000 pesos (valores en pesos argentinos).

Se trata de un trabajo que surge a partir de la idea de que las telas o ropas que nos cubren funcionan como una membrana protectora y que, en el roce con los cuerpos, se funden en una misma vivencia dejando impresa sus huellas. Desde esa metáfora, la artista decide desarticular los hilos negros, quizás símbolos de las heridas que lo habitan y presentar un tejido desarmado, que queda expuesto en sus tramas y suspendido sobre pulidas estructuras de hierro inspiradas en el diseño modernista, friccionando con el estilo arquitectónico del espacio donde la obra es exhibida. El conjunto está formado por fragmentos que arman una secuencia como en un guión. Una narrativa visual en donde cada una de sus partes se asemeja. Se despliega en el espacio modelando un paisaje dramático de opacidades y transparencias, evocando arquitecturas o construcciones donde la subjetividad del espectador aporta la reflexión.   Del 11 de septiembre al 30 de octubre. Puede visitarse de miércoles a domingos de 14 a 20 con entrada libre y gratuita. Octógono - Centro Cultural Borges (Viamonte 525).

La obra de Cecilia Ivanchevich se ubica entre el señalamiento y la cita, utilizando la geometría como un elemento para articular su estética. En el proyecto “señalización” la artista toma el espacio de la galería del Centro Cultural Rojas para crear una gran instalación de sitio específico. Aquí combina la geometría libre con la cita a la historia del centro cultural, especialmente a las artistas mujeres, que hoy son claves para la construcción ampliada del arte argentino. Del 4 de julio al 10 de agosto. Puede visitarse de lunes a viernes de 14 a 22. Centro Cultural Rojas (Corrientes 2040).

Una muestra de Elisa Strada, una artista polifacética, que se despliega en una multiplicidad de medios que abarcan la pintura, la fotografía, el dibujo y el collage. Sus imágenes connotan lo social, lo formal y lo público a través de composiciones densas formuladas con materiales de desecho, iconografía publicitaria e imágenes urbanas. Su arte se articula desde lo poético, a partir de la sensibilidad y un humor incisivo, posándose con insistencia en los fenómenos sociales para procesar con delicadeza los modos de habitar el espacio público y entablar relaciones con los demás ligadas a lo político, tanto en la ciudad, la calle, la casa y el taller.   Del 4 al 30 de junio. Puede visitarse de lunes a viernes de 10 a 15. Alejandro Bustillo (Hall principal sucursal Plaza de Mayo del Banco Nación - Rivadavia 325).

Una exhibición de Karina Peisajovich que reúne más de una decena de pinturas al óleo inéditas. En esta producción reciente, Peisajovich se zambulle en la pintura para indagar en todos sus aspectos: trabaja la materia densa o casi efímera, en transparencias. Pinta la tela de ambos lados, y avanza hacia los bordes del bastidor y los pliegues del entelado. Hay desde retratos de su gato Marcel pasando por abstracciones hasta imágenes surgidas tras visitar el Sitio Burle Marx, en Río de Janeiro. “Me dejé llevar por el deseo y el impulso, la materia y el color”, dice la artista, quien durante los últimos 20 años trabajó especialmente con la luz y el color. Lo hizo proyectando luces y sombras sobre superficies pintadas y mezclando color por superposición de haces de luz e interviniendo la iluminación de espacios de exhibición de galerías e instituciones públicas. “Trabajé la luz y el color físicos en el espacio real, investigando desde distintos ángulos el comportamiento del fenómeno de la visualidad y los modos en que la luz genera imagen”, señala la artista. Ahora, suma a la precisión milimétrica que supone el trabajo con la luz –y en muchos casos la electricidad— un ejercicio de libertad absoluta. Materia pura, color, forma, tensión, ritmo y espacio son algunos de los pilares sobre los que erigió sus nuevas creaciones, realizadas en el último tiempo. Sin bocetos ni pasos previamente estipulados, se lanzó a la incertidumbre: pintar sin red. Santiago García Navarro escribe en el texto de sala: “Es difícil, incluso para artistas maestrxs, enfrentar un desafío como el que se planteó Karina Peisajovich. El salto de un género a otro, de la figuración a la no figuración, de la gama del gris a la paleta a pleno, de la composición artesanal, detalle por detalle, a la mancha y a lo informe, exigen más temple y flexibilidad que la realización de un determinado número de variaciones sobre un mismo motivo o idea. Estas decisiones enfatizan la unidad del conjunto. Tanto, que habría que llamar “obra” no a cada pieza por separado, sino al conjunto que forman casi sin darse cuenta”, dice Marina Oybin   Del 31 de mayo al 26 de julio. Puede visitarse de lunes a viernes de 15.30 a 19. Herlitzka & Co. (Libertad 1630).

Una muestra plena de color y que comprende distintas técnicas y soportes se presenta del 3 al 30 de octubre en galería Centoira. Se trata de 10 artistas de City Bell que llegan de la mano de Galería Gauguin que dirige Nilda Fernández Uliana. Sinfonía primaveral está integrada por óleos, acrílicos, fotografías y arte digital. Participan Laaura Butera, Juan Carlos Manchiola, Edith Draghi, Cristina Pelaez, Bruno Calvi, Marisa González, Roxana Mayeyoshimoto, Nilda Fernández Uliana, Silvia Crespo Copello y Silvia Kamin.   Del 3 al 30 de octubre. Puede visitarse de lunes a viernes de 11 a 17. Galería Centoira (French 2611),

Una muestra de Iosi Havilio en el espacio La Línea Piensa, con curaduria de Luis Felipe Noé y Eduardo Stupía: Dice el artista "¿Qué es una novela? ¿Una historia? ¿Una ficción? ¿Un delirio? ¿Otra realidad? ¿Una vida metida entre tapas? Papel, papel y papel. Tinta, cartón, plástico, hilo y papel. ¿Una novela es otra cosa que un sueño? ¿Una conversación al pasar? ¿La forma de un cuerpo? ¿Una caída? ¿Un cago de risa? ¿Una revolución? ¿Cualquier estupidez? Cruzar el desierto. Perderse en la ciudad. Caminar por la playa. Un amor, una enfermedad. La muerte. ¿Qué no sería una novela después de todo?" En el texto curatorial, dice Eduardo Stupía: "La literatura, la escritura, el libro, el mundo editorial, además de ser campos activos de práctica y reflexión en sus específicas materialidades, son instituciones con reglas, cánones, límites y fisonomías, aunque muchas veces precisamente los fenómenos inherentes a sus propias características son los que ponen a prueba sus fronteras y dejan en crisis sus estatutos. "Iosi Havilio parece haber asumido apasionadamente la tarea de vulnerar, desquiciar, desestabilizar y descomponer las nomenclaturas formales y disciplinarias del territorio de trabajo que eventualmente elije, como si al hacerlo explícitamente se interrogara de manera empírica sobre la duplicidad conjetural, la inestabilidad enunciativa y perceptiva, la provisoriedad y la volatilidad, no sólo de las estructuras semánticas sino de los soportes físicos que las sostienen".   Del 16 de noviembre al 18 de febrero de 2024. Puede visitarse de martes a domingos de 14 a 20. Cnetro Cultural Borges (Viamonte 525).    

Una muestra de Boleslaw Senderowicz. Referente destacado de la fotografía de moda y la publicidad, Senderowicz exploró sus alcances estéticos gracias a una innovadora combinación de sofisticación, sentido del humor y escenarios poco convencionales. Nacido en Polonia y criado en Buenos Aires, se consolidó entre las décadas de 1950 y 1980 como un fotógrafo clave de la modernidad argentina. Su extensa producción fotográfica a lo largo de más de cuatro décadas representa un capítulo esencial de la cultura visual del país a mediados del siglo XX y un documento insoslayable de los gustos de la sociedad de su tiempo. De formación autodidacta, al principio encontró en la fotografía un oficio para el sustento familiar. Pero con los años su estilo fue ganando identidad y logró consolidarse en el medio comercial a través del floreciente género del retrato de estrellas y personalidades del espectáculo. Hacia fines de los años sesenta, en el contexto de consolidación de la sociedad de consumo, su estudio se convirtió en pionero de la fotografía publicitaria –Bolek instaló el primer laboratorio color en Buenos Aires– y realizó célebres campañas a partir de un concepto personal de la fotografía de moda. Sus producciones de moda en la revista Claudia y sus tomas publicitarias para un sinfín de productos delinearon un estilo único, que contribuyó a jerarquizar la cámara fotográfica como herramienta artística y profesional. Desde sus inicios como fotógrafo en el Teatro del Pueblo, Senderowicz entendió a la fotografía como una puesta en escena. Esta idea se profundizaría en sus imágenes de moda en escenarios no convencionales, donde las modelos –en el auge inicial del prêt-à-porter– actuaban el glamour de sus prendas desde un extrañamiento que se enfatizaba en el contraste con su entorno.  Tal entorno no se limitó a la calle o los paisajes emblemáticos de Buenos Aires, y abarcó los monumentos del desarrollo industrial en la Argentina de posguerra: la fábrica de IKA, una turbina de avión, el mojón de YPF en un balneario marplatense. Ese juego entre realidad y fantasía nutrió su estilo publicitario, donde fotomontajes y manipulaciones de laboratorio catalizaron su interés en los recursos estéticos de la fotografía desplegados, luego, en La Carpeta de los Diez. En este grupo Boleslaw, junto con colegas como Annemarie Heinrich, impulsó una lúcida reflexión sobre la naturaleza del dispositivo, que contribuyó a renovar el lenguaje y legitimar a la fotografía como arte. La muestra Soñarse modernos es un proyecto cofinanciado por la Embajada de la República de Polonia en Buenos Aires con fondos de la Cancillería polaca destinados al apoyo de la colectividad polaca en el extranjero.   Hasta fines de marzo. Puede visitarse de martes a domingos de 14 a 20 con entrada libre y gratuita. Fotogalería Sara Facio del Teatro San Martín (Corrientes 1530).

Una nueva edición de  la subasta solidaria de la Fundación Pediátrica Argentina (FuPeA), que el próximo 4 de julio a las 19 hs. pondrá a la venta unas 80 obras de diferentes disciplinas y destacados artistas. La subasta se lleva a cabo con doble modalidad: de forma presencial en la Galería Suipacha (Suipacha 1248), y online (a través de https://emmagini.com/fupearte con la posibilidad de participar desde cualquier lugar del mundo. Unas 80 obras componen el catálogo de esta nueva edición de la subasta de FuPeArte, abarcando una gran variedad de disciplinas, épocas y estilos que marcaron y marcan tendencias en el mundo del arte. El abanico va desde una “Noica” de Batlle Planas hasta una pintura de Luis Wells; un dibujo a tinta de Guillermo Roux pasando por una acuarela de Fermín Eguía; una serigrafía táctil con escritura braile de León Ferrari y una pintura de Carlos Alonso a una caja  cinética, con movimiento de motores, de Mariana Villafañe. Estos arcos de obras contienen pintura, escultura, grabado, dibujo y collage.  Para destacar: las esculturas de Raúl Farco, las técnicas mixtas de Blas Castagna, la pintura de Tulio de Sagastizábal, el dibujo de Eduardo Stupía y los bronces de Rosemarie Gerdes y Alicia Porcel de Peralta. El remate nos invita a una fiesta de color con  las obras de Martín Di Girolamo, Cristian Mac Entyre,  Pedro Roth, Santiago Cogorno, Antonia Guzmán, Leopoldo Presas, Marcos Tiglio y Raúl Conti.  Acercarse a la exposición de FuPeArte es encontrar una enorme variedad de miradas sobre el mundo; bastará observar las obras de Gabriel Mirocznyc, Raúl Soldi,  Luisa González, Julio Alan Lepez, Santiago Raffo y Liliana Golubinsky. “Comprar alguna de estas obras es acceder a un trocito de ese mundo mirado por una sutil sensibilidad, una sensibilidad que nos llega al corazón. Pero además, comprar alguna de estas obras, es llevar al corazón de algún niño o niña una especial ayuda para una mejor vida”, concluye Telma Satz, curadora y organizadora de la Subasta. Para ver el catálogo completo de obras, reseñas y precios, visitar:  https://emmagini.com/fupearte Foto: Luis Wells, "Y entonces", acrílico sobre tela, 100 x 150 cm., 2012   4 de julio a las 19. Galería Suipacha (Suipacha 1248)  

La Asociación Amigos del Sívori vuelve a los tradicionales remates a beneficio para recaudar fondos para obras y muestras. El 26 de noviembre a las 19, en forma presencial, en la Casa Roldán (Juncal 743) se realizará el remate y las obras estarán en exhibición desde dos horas antes. También se podrá participar en forma remota. Las galerías que participan, cedieron sus comisiones en beneficio del Museo. Se rematarán obras de Amparo Viau, Dana Ferrari, Celina Eceiza, Alejandra Mizrahi, Ana Won, Alfredo Dufour, Matías Ercole, Trinidad Metz Brea, Lucrecia Lionti, Nacha Canvas, Verónica Gómez, Renata Juncadella, Andrés Paredes, Yuyo Gardiol, Florencia Sadir, Max Gómez Canle, Nicola Costantino, Florencia Echeverría, Carla Grunauer, Clara Esborraz, Julia Padilla, Gilda Picabea, Fernanda Laguna, Guzmán Paz, Martha Botto, Gregorio Vardanega, Alicia Orlandi, Pablo Insurralde, Rómulo Macció y Jorge Macchi. La directora, Teresa Riccardi, le agradeció al presidente de la Asociación Amigos, Abel Guaglianone y a su vicepresidenta Marta Álvarez Molindi por reanudar con los tradicionales remates.   Foto: obra de Martha Botto   26 de noviembre a las 19. Puede visitarse desde las 17. Casa Roldán (Juncal 743).

70 obras gráficas de León Ferrari se subastarán el próximo 15 de noviembre a las 19. La subasta organizada de forma colaborativa entre la Fundación Augusto y León Ferrari Arte y Acervo (FALFAA) y la Escuela Isauro Arancibia se llevará a cabo con doble modalidad: de forma presencial en Av. Paseo Colón 1366 (Escuela Isauro Arancibia) y online (streaming) a través de https://subastas.depcsuite.com   Los fondos recaudados serán destinados a contribuir con la Galería León Ferrari de la Escuela Isauro Arancibia, - escuela que desde 1998 trabaja con personas en situación de calle, desarrollando acciones para la restitución y promoción de los derechos vulnerados, brindando herramientas para la construcción de proyectos de vida dignos y saludables- y por otra parte, con el Taller Ferrari - último atelier de León, abierto a la comunidad desde 2017 posibilitando y promoviendo un acercamiento íntimo con el legado de Augusto y León Ferrari. La mayoría de estas obras integran el libro “León Ferrari/Obra Gráfica”, que publicará el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires en 2024, como parte del “Proyecto Infinito”. Dicho proyecto comenzó en el año 2011 con el convenio entre la FALFAA y la Secretaría de Cultura de la Nación y la gestión de Andrés Duprat, para llevar a cabo la restauración de las ediciones producidas entre 1979 y 1989 por León en San Pablo, Brasil, e incluyó la exposición “Ferrari Infinito”, muestra antológica de obra gráfica del artista, inaugurada en marzo de 2021 en el Museo Nacional de Bellas Artes. Telma Satz, curadora y organizadora de la Subasta, sostiene que “más allá del hermoso objetivo de recaudación, es importante resaltar que la colección de 70 obras gráficas de León abarcan distintas épocas de su producción, e incluyen sus técnicas más habituales: aguafuertes, heliografías, serigrafías, litografías y xerografías”. Y asegura: “La obra gráfica de Ferrari está en un momento de gran valoración y tiene un lugar preponderante en la historia del arte argentino. Sin lugar a dudas, es una excelente inversión para coleccionistas y para todos aquellos que deseen adquirir obras de magnitud”. Se pueden destacar, entre otras, Primera carta al Papa es una serigrafía  en papel artesanal de algodón, realizada a partir de una de las obras más icónicas de León Ferrari. En 1997, León y un grupo de artistas  crean la CIHABAPAI (Club de Impíos, Herejes, Apóstatas, Blasfemos, Ateos, Paganos, Agnósticos e Infieles en formación), con el propósito de bregar por la anulación del Juicio Final. En palabras de León, le decían al papa que “no era posible sufrir toda una vida los castigos de Dios Padre, a raíz de Eva (que afortunadamente descubrió el orgasmo) para que después de esta vida te mueras y venga el hijo y nos resuciten y nos vuelvan a juzgar por un pecado que no estaba en el Antiguo Testamento. Entonces, primero le pedíamos al Papa que eliminará la inmortalidad y, segundo, que anulara el Juicio Final porque es inconstitucional.” La serigrafía La civilización occidental y cristiana, fue realizada a partir de la obra homónima de 1965 (plástico, óleo y yeso). Mediante un Cristo de santería crucificado en un bombardero de guerra norteamericano, fue concebida por el artista como un modo de expresar su postura crítica frente a la guerra de Vietnam. La serigrafía Carta a un general, fue realizada sobre la obra homónima de 1963, tinta china sobre papel.  León escribió: “Posiblemente, lo que yo en realidad quería era que ese general no supiera lo que yo pensaba de él… La serie "Heliografías" está compuesta por 27 copias heliográficas de los planos originales realizados en Letraset y tinta china por León Ferrari entre 1980 y 1986, durante su exilio en la ciudad de San Pablo, Brasil. León Ferrari reprodujo las heliografías en diversas ocasiones entre 1982 y 2008, tanto en San Pablo como en Buenos Aires. En algunos casos, numeró con un X/infinito las ediciones, señalando su reproducción ilimitada. Sin embargo, no se ha realizado una nueva edición de las heliografías desde 2008. En caso de reeditarse, las nuevas heliografías tendrán un formato que las diferencie de las producidas por el artista.  Se presentan dobladas, respetando los pliegues de los planos convencionales. Así, el artista las enviaba por correo postal, traspasando las fronteras y burlando la censura. “Organizar esta subasta me provoca mucha emoción. La obra de León mueve las conciencias, nos revela la impiedad, la injusticia y también la rebeldía. Es un honor para mí formar parte de este hermoso grupo que trabaja desde el arte y la educación produciendo gestos transformadores sobre tanta desigualdad”, afirma Satz, y agrega, “esta subasta es una oportunidad única para acercarse a la obra de León Ferrari en su enorme caudal creativo y acceder a una gran variedad de precios de base como para permitir que muchas personas puedan adquirir alguna de sus obras”. Para ver el catálogo completo de obras, reseñas y precios, visitar: https://subastas.depcsuite.com/   15 de noviembre a las 19. Presencial (Av. Paseo Colón 1366) – Online (Streaming) ingresando: https://subastas.depcsuite.com/)  

Primera exposición individual de la artista Verónica Romano que presentará una serie de esculturas en bronce e instalaciones. En la sala principal, se desplegará un conjunto de cisnes de bronce que construyen una narración, parecen ser piezas dispuestas en una coreografía en suspenso. La potencia iconográfica del cisne y las contradicciones que se plantean con su figura -entre escultura y sombra, vida y muerte, presencia y ausencia, exterior e interior- se despliega en todas las salas de la galería. La arquitectura interviene con sus arcos como una suerte de contención. Una de las piezas, una cabeza en reposo que podría remitir a la Musa dormida de Brancusi, parece ser el portal a una sucesión de relaciones posibles. El resultado de esta confluencia de piezas es una zona extraña, misteriosa, en la que se mezclan y confunden el “yo” de la artista y la mirada de un visitante que atraviesa y habita el sueño de otro. Cisnes desplegados, desmembrados, retorcidos, espejados: todos están presentes a lo largo de la producción de Verónica Romano. En palabras de Bárbara Golubicki, curadora de la muestra, “El retorno al cisne es un regreso a una forma-excusa, que permite resaltar una dimensión de lo escultórico fundamental en su trayectoria: el volumen como un territorio en el que coexisten dinámicas contrarias, la presencia y la ausencia. Porque en el cisne no hay solo escultura, cuerpo, figura, sino que sobre todo hay relación con el espacio: una serie de piezas que funcionan como una coreografía en pausa, mojones frizados en poses, vinculados a través del recorrido y el lazo que se tiende entre ellas y con lo que las rodea. Una arquitectura que las contiene, que vuelve insinuada como cáscara, como contorno, como vanos y portales ciegos. Vemos a la bailarina-cisne, en una puja interna, pero además asistimos a las redes que se tienden en la sala, en el recorrido breve del que participamos como de un relato conciso y circular, un juego apenas desarrollado, pero virtualmente infinito”.   Del 6 de junio al 31 de julio. Puede visitarse de lunes a viernes de 14 a 19. Tramo (Av. Alvear 1580, PB)

Una muestra de Cristina de Middel. La fotógrafa española mundialmente reconocida llega a Buenos Aires con el apoyo del Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA) para presentar su nueva exposición que podrá visitarse, con entrada libre y gratuita, en ArtexArte (Lavalleja 1062).

Se trata de la primera exposición de la fotógrafa en Argentina que propone un recorrido por los principales proyectos editoriales de la autora con la presentación de dos de sus series fundamentales: Afronauts (2012), el trabajo que la catapultó al reconocimiento internacional, y el más reciente Gentleman’s Club (2023), en el que aborda la prostitución femenina desde la mirada de quienes la consumen. La exhibición cuenta con la curaduría de Rafael Doctor Roncero. Formada en Bellas Artes y tras casi una década dedicada al periodismo fotográfico, Cristina de Middel siente la necesidad de abandonar el espacio encorsetado y necesariamente parcial de la prensa. El hallazgo fortuito de una información sorprendente —el intento de desarrollar un programa espacial en Zambia durante los años sesenta— actúa como detonante para la realización de un trabajo fotográfico profundamente personal. A partir de este episodio real, De Middel se adentra sin reservas en un territorio fronterizo entre la realidad y la ficción, un umbral conceptual que se convertirá desde entonces en una constante en toda su producción. Afronauts se concibe inicialmente como un pequeño fotolibro autoeditado por la artista, que pronto se transforma en un éxito internacional, llegando a convertirse en uno de los paradigmas de la gran corriente editorial fotográfica que eclosiona con fuerza en el ámbito popular durante aquellos años. En Afronauts ya se encuentran la mayoría de los ejes conceptuales que Cristina de Middel desarrollará hasta la actualidad: el cuestionamiento del valor documental de la fotografía, la resistencia frente a la avalancha de estereotipos heredados de una cultura eminentemente visual y, en términos más amplios, la revisión crítica de los cánones tradicionalmente asociados al medio fotográfico, todo ello atravesado por la reivindicación del humor como herramienta fundamental de cualquier relato. Por su parte, Gentleman’s Club analiza la prostitución femenina a través de los retratos de sus clientes en distintas partes del mundo. En este proyecto, desarrollado a lo largo de casi una década, el foco se desplaza de manera radical hacia el protagonista habitualmente ignorado: el consumidor. Las mujeres no aparecen en ningún momento; su ausencia subraya un giro necesario en un relato que históricamente ha sido contado desde una única perspectiva. A través de la emulación de un archivo, materializado en la confección de fichas, estos cien retratos revelan el reverso del negocio, aquel que la sociedad prefiere no mirar.

La introducción a la exposición mediante los distintos fotolibros invita al espectador a una contemplación pausada. La sala se transforma así en una suerte de biblioteca, un espacio de lectura y observación atenta, donde es posible dedicar el tiempo necesario a unas obras difíciles de encontrar fuera de los circuitos especializados y que se presentan reunidas por primera vez en una exposición.

Cristina de Middel se nos revela así como una virtuosa funambulista que avanza con precisión sobre la estrecha cuerda que separa —y a la vez une— la realidad y la ficción: aquello que somos, lo que contamos y la forma en que lo hacemos.   Del 11 de marzo al 15 de abril. Puede visitarse de martes a viernes de 14 aa 20 y sábados de 15 a 20. Arte x Arte (Lavalleja 1062).

Una muestra con curaduría y gestión por Melisa Boratyn y Rosario Villani.  El término supertierra hace referencia a un tipo de planeta extrasolar con una masa superior a la terrestre, potencialmente habitable pero aún inalcanzable. En este sentido, las obras de Palmieri nos transportan a un territorio inexplorado donde convergen elementos naturales, simbólicos y autobiográficos. Criaturas marinas, perros, gallinas y figuras humanas habitan escenarios de interiores misteriosos y paisajes de ensueño. En sus composiciones, que combinan un relato visual con una exploración emocional, su delicadeza nos revela otra faceta de la vida que se infiltra en cada imagen. En palabras de Melisa Boratyn, curadora de la muestra: "Estas obras son el resultado de un largo camino recorrido, siempre sin prisa pero sin pausa, porque las cosas le salen mejor cuando nadie la apura. De esta manera Verónica nos enfrenta a imágenes que se asientan con potencia y materializan ideas, sueños e interrogantes que en los últimos años cobraron una nueva dimensión y que develan las múltiples capas, pliegues, símbolos e interpretaciones de su hacer". La muestra recorre años de investigación y exploración plástica, en los que Palmieri ha logrado plasmar sus inquietudes y emociones con una potencia inconfundible. "Supertierra" es un espacio de encuentro entre lo personal y lo universal, donde el imaginario de la artista se expande sin límites y nos enfrenta a preguntas sobre la percepción, la memoria y la trascendencia.   Del 3 de abril al 28 de mayo. Puede visitarse de lunes a viernes de 14 a 19. Tramo (Av. Alvear 1580 PB).

Más que un movimiento con bordes definidos, el surrealismo ha sido, desde sus orígenes, una zona de intensidad: una forma de ver y transformar el mundo, más que un estilo o una escuela. En su Primer Manifiesto (1924), André Breton lo definió como “automatismo psíquico puro”, subrayando su anclaje en lo inconsciente, lo pulsional y lo onírico. Al cumplirse cien años de aquel gesto fundacional, queremos aportar una visión del surrealismo en Argentina, explorando cómo esta corriente se manifestó y transformó en nuestro contexto cultural. Muchos artistas, sin declararse surrealistas ni responder a sus dogmas, han incursionado en sus territorios: en la imagen del sueño, en la lógica de lo irracional, en el erotismo cifrado, en la sombra de la muerte. Estas dimensiones conforman un imaginario tanático que ha alimentado al arte moderno y contemporáneo bajo múltiples formas. En Argentina, el surrealismo no se organizó como un grupo cohesionado, sino como una sensibilidad transversal que fue tomando cuerpo en obras muy diversas. Surrealismos propone un recorrido por esas derivas: una cartografía discontinua, hecha de tensiones, afinidades y desplazamientos. No busca trazar un canon ni fijar una estética, sino desplegar un campo de resonancias. Antonio Berni, El árbol de los peces, óleo sobre tela 56 x 70 cm.    Desde los sistemas místicos de Xul Solar, donde palabra, color y símbolo construyen un mundo autónomo, hasta los fotomontajes de Grete Stern, que traducen sueños femeninos en alegorías inquietantes, el surrealismo argentino se manifiesta como una fuerza de ruptura. Horacio Coppola, incluso antes de su formación en la Bauhaus, había comenzado a experimentar con imágenes fragmentadas, composiciones abstractas y juegos ópticos vinculados a una sensibilidad surrealista. Ya en Alemania, en los años treinta, profundizó esa búsqueda mediante estudios de luz, reflejos y perspectivas que descomponen la realidad visible y la reconfiguran desde el umbral de lo onírico. Juan Batlle Planas, por su parte, traduce pulsiones internas en estructuras precisas, donde conviven lo metafísico y lo biológico. En el terreno pictórico, la intensidad expresiva de Raquel Forner y la crítica social transfigurada de Antonio Berni revelan cómo lo fantástico puede ser también una respuesta ética al tiempo histórico. Roberto Aizenberg y Vito Campanella abordan la forma con un rigor obsesivo, erigiendo arquitecturas del inconsciente, mundos cerrados que remiten tanto al sueño como al abismo. La muestra incluye además obras de artistas cuya práctica se inscribe en un surrealismo de lo matérico y lo simbólico. Libero Badii, con sus esculturas enigmáticas, da cuerpo a lo invisible; Fermín Eguía y Fernando Maza tensionan la figura y la abstracción para revelar zonas latentes de sentido. Miguel Bengochea, Kirin, Noe Nojechowicz y Luis Felipe Noé trazan otras líneas de fuga, en las que el gesto y el símbolo se entrelazan con lo ritual, lo político y lo lírico. Fermin Eguía, pastel a la tiza, acuarela y tinta sobre papel de color, 38 x 53 cm.   Finalmente, la obra de Mildred Burton, con su humor corrosivo y su erotismo cifrado, se ofrece como una forma de sabotaje al sentido común: una vía surrealista que dialoga tanto con lo cotidiano como con lo monstruoso. Es importante destacar que el surrealismo en Argentina es una corriente viva y en constante evolución. La selección de artistas presentada en Surrealismos es solo un recorte dentro de un panorama más amplio que incluye tanto a figuras históricas como a creadores contemporáneos que exploran lo onírico, lo irracional y lo fantástico en sus obras. Esta muestra, por lo tanto, ofrece una visión específica dentro de un movimiento más amplio y diverso que continúa inspirando y desafiando las fronteras de la imaginación. Surrealismos no es un relato cerrado. Es un mapa abierto, vibrante, donde lo onírico, lo pulsional y lo tanático —más allá de etiquetas o movimientos— siguen operando como fuerzas activas en la imaginación visual argentina. Quizás sea pertinente —o al menos divertido— aclarar que este texto ha sido realizado con la asistencia de una inteligencia artificial. Es decir, con la ayuda de una entidad sin cuerpo, sin sueños y sin inconsciente (al menos por ahora), pero que, paradójicamente, ha colaborado en dar forma a un texto sobre el surrealismo. ¿Qué puede ser más surrealista que eso? Una máquina escribiendo sobre lo irracional. Una mente artificial evocando lo pulsional. Una prueba más —tal vez— de que lo real y lo irreal ya no se distinguen, o que la lógica, como siempre sospechó Breton, es solo una superstición burguesa.   Del 24 de abril al 30 de junio. Puede visitarse de lunes a viernes de 15 a 19. Jorge Mara / La Ruche (Paraná 1133).

Una obra que trasciende lo visual para proponer al observador una reflexión sobre la presencia, la ausencia y la esencia de la existencia humana. Así se ha caracterizado la serie Sustancia, de Santiago Carrera, artista que utiliza la fotografía como un medio para explorar el tiempo y la espera, y logra composiciones de una delicadeza y sofisticación únicas. El concepto de substantia se presenta como la materia que determina el contenido, al concentrarse en lo primario y evidente que suele estar "debajo", eliminando lo abundante e inútil para dar lugar a lo necesario. La muestra explora cómo la forma difiere y determina el contenido, utilizando la fotografía para definir el espacio de cada ser. La obra presenta figuras femeninas en posturas compuestas, delicadas, pero a la vez seguras y sólidas. Estas protagonistas están envueltas en tramas sofisticadas y líneas elegantes que definen sus perfiles. Una característica central es la voluntad del artista de no revelar los rostros de sus protagonistas. Este recurso otorga un "impulso surreal" a las imágenes y refuerza el axioma principal de la muestra: encontrar “en la ausencia la más aguda presencia”. En síntesis, el trabajo alude a la espera humana y al concepto filosófico del hic et nunc (aquí y ahora), vinculando la obra con la inmortalización de momentos efímeros.   Del 5 de mayo al 10 de junio. Puede visitarse de martes a viernes de 14 a 21 horas, y los sábados y domingos de 13 a 20 La FotoGalería Sara Facio del Teatro San Martín (Av. Corrientes 1530).