l Centro Cultural Borges y la Fundación Luis Felipe Noé presentan la muestra 122 de La Línea Piensa. En esta oportunidad, Tessi Arce presenta Se levanta la casa y Mariana Cannizzaro expone Tierra de la dicha. La Línea Piensa es un proyecto creado por Luis Félipe Noé y Eduardo Stupía destinado a visibilizar a los artistas del dibujo de nuestro país. Dice Eduardo Stupía: En pleno uso de los recursos técnicos que saben extraerle al núcleo de la disciplina, Tessi Arce y Mariana Canizzaro se mueven a sus anchas en el territorio del dibujo, según un derrotero que abarca diversos territorios, entre la fábula y la vida doméstica, la familiaridad y la extrañeza, lo incógnito y lo cotidiano, la fantasía y la revelación. También, con más o menos apego a una narratividad que oscila entre el registro alusivo/ naturalista y el diario íntimo, o bien en busca de la exacta metáfora visual que dispute el centro de interés con los ecos de modelos representativos, ambas artistas parecen cultoras de una suerte de lirismo atemperado, donde importa más la claridad expresiva y la direccionalidad del signo que el regusto por el oropel excesivo, el hermetismo o la sobreactuación formal. Tan cómoda en el formato fanzine como en el grabado, Arce se aboca a textos e imágenes al despliegue de un punto de vista en explícita primera persona, en planos gráficos y escriturales concebidos con tanta vocación humanista como sensibilidad poética. Esa voz que se hace oír en la pura libertad de las frases y fisonomías evocativas, interpelativas o episódicas, repiquetea en los frottages como restos fósiles de una floresta imaginaria, en la empatía fisionómica y situacional con la que describe con penetrante agudeza de línea y trazo toda una galería de elocuentes personajes. Cannizzaro apela a la diseminación, a la fragmentación de los recursos gramaticales, a la síntesis autónoma de la silueta y a las citas de fraccionadas figuraciones para componer una suerte de expansivo mosaico morfológico. Un contrapunto de ornamentos, derrames y transparencias de linfática fluidez, con expresivas corporeidades frágilmente anatómicas dotadas de un fantasmal protagonismo, junto a una dinámica constelación móvil de pinceladas, manchas y evoluciones lineales de libre flotación en el plano, generan el poderoso efecto de un mundo en estado de perpetua metamorfosis. Fuente Patricia Ludueña . Prensa Comunicación Institucional.   Del 27 de septiembre al 12 de noviembre.  Puede visitarse de miércoles a domingo de 14 a 20 con entrada libre y gratuita. Centro Cultural Borges (Viamonte 525).  

En esta oportunidad, se trata de una invitación a recorrer el jardín del palacio, un lugar mágico que tantas veces fue utilizado para poder conectar a la familia Errázuriz Alvear con la naturaleza de ese paisaje. Hoy en él, vemos una fuente que antaño albergaba a dos cisnes, que le dieron su nombre. En el centro de esa fuente, vemos una pequeña figura decorativa. Al detenernos en ella, descubrimos que se trata de un niño sosteniendo un pequeño caimán de donde vierte agua a la fuente. Marcela Cabutti, artista responsable de la instalación situada que lleva como título Se va el caimán, se va el caimán reflexiona acerca del entorno del Museo Nacional de Arte Decorativo y los múltiples objetos que componen su colección. Con una visión contemporánea, recrea lúdicamente a aquellos caimanes realizados en diversos materiales que poblaron de una fauna exótica los palacios porteños durante el siglo pasado, transformando así nuestra fuente, con un piso de bolitas de vidrio azules, en el mar azul del caribe colombiano, del que salen otros caimanes mientras algunos más se instalan en la terraza. Es una linda forma de observar la belleza que nos brinda este hermoso espacio del Museo.   Del 14 de octubre al 10 de diciembre de 2023. Puede visitarse de miércoles a domingos de 13 a 19, con entrada libre y gratuita Visitas guiadas sin reserva previa: miércoles, jueves, viernes y sábados a las 16. Visitas grupales: visitasmnad@gmail.com y visitas escolares: educacionmnad@gmail.com Museo Nacional de Arte Decorativo (Av. del Libertador 1902).

Se trata de un trabajo que surge a partir de la idea de que las telas o ropas que nos cubren funcionan como una membrana protectora y que, en el roce con los cuerpos, se funden en una misma vivencia dejando impresa sus huellas. Desde esa metáfora, la artista decide desarticular los hilos negros, quizás símbolos de las heridas que lo habitan y presentar un tejido desarmado, que queda expuesto en sus tramas y suspendido sobre pulidas estructuras de hierro inspiradas en el diseño modernista, friccionando con el estilo arquitectónico del espacio donde la obra es exhibida. El conjunto está formado por fragmentos que arman una secuencia como en un guión. Una narrativa visual en donde cada una de sus partes se asemeja. Se despliega en el espacio modelando un paisaje dramático de opacidades y transparencias, evocando arquitecturas o construcciones donde la subjetividad del espectador aporta la reflexión.   Del 11 de septiembre al 30 de octubre. Puede visitarse de miércoles a domingos de 14 a 20 con entrada libre y gratuita. Octógono - Centro Cultural Borges (Viamonte 525).

La obra de Cecilia Ivanchevich se ubica entre el señalamiento y la cita, utilizando la geometría como un elemento para articular su estética. En el proyecto “señalización” la artista toma el espacio de la galería del Centro Cultural Rojas para crear una gran instalación de sitio específico. Aquí combina la geometría libre con la cita a la historia del centro cultural, especialmente a las artistas mujeres, que hoy son claves para la construcción ampliada del arte argentino. Del 4 de julio al 10 de agosto. Puede visitarse de lunes a viernes de 14 a 22. Centro Cultural Rojas (Corrientes 2040).

Una muestra de Elisa Strada, una artista polifacética, que se despliega en una multiplicidad de medios que abarcan la pintura, la fotografía, el dibujo y el collage. Sus imágenes connotan lo social, lo formal y lo público a través de composiciones densas formuladas con materiales de desecho, iconografía publicitaria e imágenes urbanas. Su arte se articula desde lo poético, a partir de la sensibilidad y un humor incisivo, posándose con insistencia en los fenómenos sociales para procesar con delicadeza los modos de habitar el espacio público y entablar relaciones con los demás ligadas a lo político, tanto en la ciudad, la calle, la casa y el taller.   Del 4 al 30 de junio. Puede visitarse de lunes a viernes de 10 a 15. Alejandro Bustillo (Hall principal sucursal Plaza de Mayo del Banco Nación - Rivadavia 325).

Una exhibición de Karina Peisajovich que reúne más de una decena de pinturas al óleo inéditas. En esta producción reciente, Peisajovich se zambulle en la pintura para indagar en todos sus aspectos: trabaja la materia densa o casi efímera, en transparencias. Pinta la tela de ambos lados, y avanza hacia los bordes del bastidor y los pliegues del entelado. Hay desde retratos de su gato Marcel pasando por abstracciones hasta imágenes surgidas tras visitar el Sitio Burle Marx, en Río de Janeiro. “Me dejé llevar por el deseo y el impulso, la materia y el color”, dice la artista, quien durante los últimos 20 años trabajó especialmente con la luz y el color. Lo hizo proyectando luces y sombras sobre superficies pintadas y mezclando color por superposición de haces de luz e interviniendo la iluminación de espacios de exhibición de galerías e instituciones públicas. “Trabajé la luz y el color físicos en el espacio real, investigando desde distintos ángulos el comportamiento del fenómeno de la visualidad y los modos en que la luz genera imagen”, señala la artista. Ahora, suma a la precisión milimétrica que supone el trabajo con la luz –y en muchos casos la electricidad— un ejercicio de libertad absoluta. Materia pura, color, forma, tensión, ritmo y espacio son algunos de los pilares sobre los que erigió sus nuevas creaciones, realizadas en el último tiempo. Sin bocetos ni pasos previamente estipulados, se lanzó a la incertidumbre: pintar sin red. Santiago García Navarro escribe en el texto de sala: “Es difícil, incluso para artistas maestrxs, enfrentar un desafío como el que se planteó Karina Peisajovich. El salto de un género a otro, de la figuración a la no figuración, de la gama del gris a la paleta a pleno, de la composición artesanal, detalle por detalle, a la mancha y a lo informe, exigen más temple y flexibilidad que la realización de un determinado número de variaciones sobre un mismo motivo o idea. Estas decisiones enfatizan la unidad del conjunto. Tanto, que habría que llamar “obra” no a cada pieza por separado, sino al conjunto que forman casi sin darse cuenta”, dice Marina Oybin   Del 31 de mayo al 26 de julio. Puede visitarse de lunes a viernes de 15.30 a 19. Herlitzka & Co. (Libertad 1630).

Una muestra plena de color y que comprende distintas técnicas y soportes se presenta del 3 al 30 de octubre en galería Centoira. Se trata de 10 artistas de City Bell que llegan de la mano de Galería Gauguin que dirige Nilda Fernández Uliana. Sinfonía primaveral está integrada por óleos, acrílicos, fotografías y arte digital. Participan Laaura Butera, Juan Carlos Manchiola, Edith Draghi, Cristina Pelaez, Bruno Calvi, Marisa González, Roxana Mayeyoshimoto, Nilda Fernández Uliana, Silvia Crespo Copello y Silvia Kamin.   Del 3 al 30 de octubre. Puede visitarse de lunes a viernes de 11 a 17. Galería Centoira (French 2611),

Una muestra de Iosi Havilio en el espacio La Línea Piensa, con curaduria de Luis Felipe Noé y Eduardo Stupía: Dice el artista "¿Qué es una novela? ¿Una historia? ¿Una ficción? ¿Un delirio? ¿Otra realidad? ¿Una vida metida entre tapas? Papel, papel y papel. Tinta, cartón, plástico, hilo y papel. ¿Una novela es otra cosa que un sueño? ¿Una conversación al pasar? ¿La forma de un cuerpo? ¿Una caída? ¿Un cago de risa? ¿Una revolución? ¿Cualquier estupidez? Cruzar el desierto. Perderse en la ciudad. Caminar por la playa. Un amor, una enfermedad. La muerte. ¿Qué no sería una novela después de todo?" En el texto curatorial, dice Eduardo Stupía: "La literatura, la escritura, el libro, el mundo editorial, además de ser campos activos de práctica y reflexión en sus específicas materialidades, son instituciones con reglas, cánones, límites y fisonomías, aunque muchas veces precisamente los fenómenos inherentes a sus propias características son los que ponen a prueba sus fronteras y dejan en crisis sus estatutos. "Iosi Havilio parece haber asumido apasionadamente la tarea de vulnerar, desquiciar, desestabilizar y descomponer las nomenclaturas formales y disciplinarias del territorio de trabajo que eventualmente elije, como si al hacerlo explícitamente se interrogara de manera empírica sobre la duplicidad conjetural, la inestabilidad enunciativa y perceptiva, la provisoriedad y la volatilidad, no sólo de las estructuras semánticas sino de los soportes físicos que las sostienen".   Del 16 de noviembre al 18 de febrero de 2024. Puede visitarse de martes a domingos de 14 a 20. Cnetro Cultural Borges (Viamonte 525).    

Una nueva edición de  la subasta solidaria de la Fundación Pediátrica Argentina (FuPeA), que el próximo 4 de julio a las 19 hs. pondrá a la venta unas 80 obras de diferentes disciplinas y destacados artistas. La subasta se lleva a cabo con doble modalidad: de forma presencial en la Galería Suipacha (Suipacha 1248), y online (a través de https://emmagini.com/fupearte con la posibilidad de participar desde cualquier lugar del mundo. Unas 80 obras componen el catálogo de esta nueva edición de la subasta de FuPeArte, abarcando una gran variedad de disciplinas, épocas y estilos que marcaron y marcan tendencias en el mundo del arte. El abanico va desde una “Noica” de Batlle Planas hasta una pintura de Luis Wells; un dibujo a tinta de Guillermo Roux pasando por una acuarela de Fermín Eguía; una serigrafía táctil con escritura braile de León Ferrari y una pintura de Carlos Alonso a una caja  cinética, con movimiento de motores, de Mariana Villafañe. Estos arcos de obras contienen pintura, escultura, grabado, dibujo y collage.  Para destacar: las esculturas de Raúl Farco, las técnicas mixtas de Blas Castagna, la pintura de Tulio de Sagastizábal, el dibujo de Eduardo Stupía y los bronces de Rosemarie Gerdes y Alicia Porcel de Peralta. El remate nos invita a una fiesta de color con  las obras de Martín Di Girolamo, Cristian Mac Entyre,  Pedro Roth, Santiago Cogorno, Antonia Guzmán, Leopoldo Presas, Marcos Tiglio y Raúl Conti.  Acercarse a la exposición de FuPeArte es encontrar una enorme variedad de miradas sobre el mundo; bastará observar las obras de Gabriel Mirocznyc, Raúl Soldi,  Luisa González, Julio Alan Lepez, Santiago Raffo y Liliana Golubinsky. “Comprar alguna de estas obras es acceder a un trocito de ese mundo mirado por una sutil sensibilidad, una sensibilidad que nos llega al corazón. Pero además, comprar alguna de estas obras, es llevar al corazón de algún niño o niña una especial ayuda para una mejor vida”, concluye Telma Satz, curadora y organizadora de la Subasta. Para ver el catálogo completo de obras, reseñas y precios, visitar:  https://emmagini.com/fupearte Foto: Luis Wells, "Y entonces", acrílico sobre tela, 100 x 150 cm., 2012   4 de julio a las 19. Galería Suipacha (Suipacha 1248)  

70 obras gráficas de León Ferrari se subastarán el próximo 15 de noviembre a las 19. La subasta organizada de forma colaborativa entre la Fundación Augusto y León Ferrari Arte y Acervo (FALFAA) y la Escuela Isauro Arancibia se llevará a cabo con doble modalidad: de forma presencial en Av. Paseo Colón 1366 (Escuela Isauro Arancibia) y online (streaming) a través de https://subastas.depcsuite.com   Los fondos recaudados serán destinados a contribuir con la Galería León Ferrari de la Escuela Isauro Arancibia, - escuela que desde 1998 trabaja con personas en situación de calle, desarrollando acciones para la restitución y promoción de los derechos vulnerados, brindando herramientas para la construcción de proyectos de vida dignos y saludables- y por otra parte, con el Taller Ferrari - último atelier de León, abierto a la comunidad desde 2017 posibilitando y promoviendo un acercamiento íntimo con el legado de Augusto y León Ferrari. La mayoría de estas obras integran el libro “León Ferrari/Obra Gráfica”, que publicará el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires en 2024, como parte del “Proyecto Infinito”. Dicho proyecto comenzó en el año 2011 con el convenio entre la FALFAA y la Secretaría de Cultura de la Nación y la gestión de Andrés Duprat, para llevar a cabo la restauración de las ediciones producidas entre 1979 y 1989 por León en San Pablo, Brasil, e incluyó la exposición “Ferrari Infinito”, muestra antológica de obra gráfica del artista, inaugurada en marzo de 2021 en el Museo Nacional de Bellas Artes. Telma Satz, curadora y organizadora de la Subasta, sostiene que “más allá del hermoso objetivo de recaudación, es importante resaltar que la colección de 70 obras gráficas de León abarcan distintas épocas de su producción, e incluyen sus técnicas más habituales: aguafuertes, heliografías, serigrafías, litografías y xerografías”. Y asegura: “La obra gráfica de Ferrari está en un momento de gran valoración y tiene un lugar preponderante en la historia del arte argentino. Sin lugar a dudas, es una excelente inversión para coleccionistas y para todos aquellos que deseen adquirir obras de magnitud”. Se pueden destacar, entre otras, Primera carta al Papa es una serigrafía  en papel artesanal de algodón, realizada a partir de una de las obras más icónicas de León Ferrari. En 1997, León y un grupo de artistas  crean la CIHABAPAI (Club de Impíos, Herejes, Apóstatas, Blasfemos, Ateos, Paganos, Agnósticos e Infieles en formación), con el propósito de bregar por la anulación del Juicio Final. En palabras de León, le decían al papa que “no era posible sufrir toda una vida los castigos de Dios Padre, a raíz de Eva (que afortunadamente descubrió el orgasmo) para que después de esta vida te mueras y venga el hijo y nos resuciten y nos vuelvan a juzgar por un pecado que no estaba en el Antiguo Testamento. Entonces, primero le pedíamos al Papa que eliminará la inmortalidad y, segundo, que anulara el Juicio Final porque es inconstitucional.” La serigrafía La civilización occidental y cristiana, fue realizada a partir de la obra homónima de 1965 (plástico, óleo y yeso). Mediante un Cristo de santería crucificado en un bombardero de guerra norteamericano, fue concebida por el artista como un modo de expresar su postura crítica frente a la guerra de Vietnam. La serigrafía Carta a un general, fue realizada sobre la obra homónima de 1963, tinta china sobre papel.  León escribió: “Posiblemente, lo que yo en realidad quería era que ese general no supiera lo que yo pensaba de él… La serie "Heliografías" está compuesta por 27 copias heliográficas de los planos originales realizados en Letraset y tinta china por León Ferrari entre 1980 y 1986, durante su exilio en la ciudad de San Pablo, Brasil. León Ferrari reprodujo las heliografías en diversas ocasiones entre 1982 y 2008, tanto en San Pablo como en Buenos Aires. En algunos casos, numeró con un X/infinito las ediciones, señalando su reproducción ilimitada. Sin embargo, no se ha realizado una nueva edición de las heliografías desde 2008. En caso de reeditarse, las nuevas heliografías tendrán un formato que las diferencie de las producidas por el artista.  Se presentan dobladas, respetando los pliegues de los planos convencionales. Así, el artista las enviaba por correo postal, traspasando las fronteras y burlando la censura. “Organizar esta subasta me provoca mucha emoción. La obra de León mueve las conciencias, nos revela la impiedad, la injusticia y también la rebeldía. Es un honor para mí formar parte de este hermoso grupo que trabaja desde el arte y la educación produciendo gestos transformadores sobre tanta desigualdad”, afirma Satz, y agrega, “esta subasta es una oportunidad única para acercarse a la obra de León Ferrari en su enorme caudal creativo y acceder a una gran variedad de precios de base como para permitir que muchas personas puedan adquirir alguna de sus obras”. Para ver el catálogo completo de obras, reseñas y precios, visitar: https://subastas.depcsuite.com/   15 de noviembre a las 19. Presencial (Av. Paseo Colón 1366) – Online (Streaming) ingresando: https://subastas.depcsuite.com/)  

Primera exposición individual de la artista Verónica Romano que presentará una serie de esculturas en bronce e instalaciones. En la sala principal, se desplegará un conjunto de cisnes de bronce que construyen una narración, parecen ser piezas dispuestas en una coreografía en suspenso. La potencia iconográfica del cisne y las contradicciones que se plantean con su figura -entre escultura y sombra, vida y muerte, presencia y ausencia, exterior e interior- se despliega en todas las salas de la galería. La arquitectura interviene con sus arcos como una suerte de contención. Una de las piezas, una cabeza en reposo que podría remitir a la Musa dormida de Brancusi, parece ser el portal a una sucesión de relaciones posibles. El resultado de esta confluencia de piezas es una zona extraña, misteriosa, en la que se mezclan y confunden el “yo” de la artista y la mirada de un visitante que atraviesa y habita el sueño de otro. Cisnes desplegados, desmembrados, retorcidos, espejados: todos están presentes a lo largo de la producción de Verónica Romano. En palabras de Bárbara Golubicki, curadora de la muestra, “El retorno al cisne es un regreso a una forma-excusa, que permite resaltar una dimensión de lo escultórico fundamental en su trayectoria: el volumen como un territorio en el que coexisten dinámicas contrarias, la presencia y la ausencia. Porque en el cisne no hay solo escultura, cuerpo, figura, sino que sobre todo hay relación con el espacio: una serie de piezas que funcionan como una coreografía en pausa, mojones frizados en poses, vinculados a través del recorrido y el lazo que se tiende entre ellas y con lo que las rodea. Una arquitectura que las contiene, que vuelve insinuada como cáscara, como contorno, como vanos y portales ciegos. Vemos a la bailarina-cisne, en una puja interna, pero además asistimos a las redes que se tienden en la sala, en el recorrido breve del que participamos como de un relato conciso y circular, un juego apenas desarrollado, pero virtualmente infinito”.   Del 6 de junio al 31 de julio. Puede visitarse de lunes a viernes de 14 a 19. Tramo (Av. Alvear 1580, PB)