Una retrospectiva que presenta la trayectoria de más de seis décadas de Dalila Puzzovio, una de las grandes artistas argentinas a partir de tres ejes de investigación curatorial fundamentales. La exposición destaca la manera en que Dalila Puzzovio (Buenos Aires, 1942) entiende la identidad como una performance o una construcción teatral, como un modo de mostrarse, cargado de ficción y creatividad. Su trabajo con el cuerpo, como una materia plástica con la que construimos nuestra imagen a la manera de un personaje, y su cuidado en la creación de ambientaciones para la exposición de sus propias obras, inspirados en espacios de la vida cotidiana asociados con lo femenino, son algunos de los hilos que recorren su producción desde el comienzo y resuenan con una fuerza renovada en el presente. Desde los objetos realizados con yesos que presentó en la Galería Lirolay a principios de los sesenta hasta los célebres zapatos de plataforma con los que deslumbró en el Instituto Di Tella, así como en su sostenida práctica como diseñadora de moda, Puzzovio trabajó con los contornos del cuerpo para transformarlo en un escenario de juego e invención. La artista definió su pieza más icónica, el colorido calzado con el que ganó el 2° Premio Internacional del Instituto Di Tella, como una “plataforma donde te plantás”, que “te cambia la perspectiva”. También describió la moda como un “abecedario con el que transmitir distintas narraciones”. De allí surgen las claves de su obra: el arte como una plataforma de afirmación de la personalidad y de modificación de la propia mirada, el vocabulario para crear con total libertad los personajes con los que nos mostramos al mundo. La exposición cuenta con piezas originales, la reconstrucción de algunas de las principales obras de Puzzovio y un cuantioso archivo documental reunido en una larga investigación del Museo Moderno, que incluye material inédito de la artista, como fotografías vistiendo sus propios diseños y registros nunca vistos de obras cruciales del arte argentino. Además de producir obras en muy diversos formatos y objetos de diseño, Dalila es una gran creadora de espacios, como si el arte también consistiera en crear el ambiente en el que debe ser visto. Desde las atmósferas más ominosas de sus primeros años informalistas, hasta el alegre alboroto de los carteles publicitarios en el espacio público y los escaparates de las tiendas de moda, sus ambientaciones fueron una inspiración permanente del diseño museográfico de este recorrido por su obra y su vida, incluida una evocación ficcional del mítico departamento que compartía con su pareja y también artista, Charlie Squirru. La exposición pone de manifiesto el carácter de avanzada del arte de Dalila, una creadora multifacética, cuyo trabajo con los límites del cuerpo, con la expresividad de la vestimenta, con la relación entre arte, moda y medios de comunicación, y con el lugar de la mujer en el arte y en el espacio público anticipó muchos debates contemporáneos y la consolidó como una figura clave en la historia del arte argentino.
La muestra cuenta con la curaduría de Pino Monkes, jefe de Conservación del Museo Moderno, y Patricio Orellana, Curador del Museo Moderno.
En dialogo junto a ellos, a tres artistas porteñas, la fabulosa Gabriela Aberastury, con dibujos, óleos y composiciones, con su particular mundo simbólico para expresar sus sentimientos e ideas. Lucrecia Orloff con estampas litográficas, xilográficas y aguafuertes/tinta, de sus series de Cebras, Teatro Colón y Circo, donde no sólo se expusieron sus grabados, sino también el soporte de piedras litográficas, tacos y chapas, realizados en la década del 2000/2010; e Inés Vega que nos conduce a mundos oníricos, con dos dibujos de grafito sobre papel y cuatro conmovedoras “esculturas blandas”, realizados en estas últimas dos décadas.
Por su parte, Gonzalo Vidal de GV Consultoria con el fin de mostrar en paralelo, lo que sucedía en la plástica tanto en Salta como en Buenos Aires, expuso artistas rupturistas de la década del 40.
Exponentes del Arte Concreto, como Juan Melé y Raúl Loza, este último que continuó solo con un movimiento que se llamó Perceptismo. Del movimiento Madí, dos obras de Carmelo Arden Quin, que también fueron desarrollándose al mismo tiempo; y Manuel Espinosa que se inicia con los concretos junto una obra de Carlos Silva, pero que conjuntamente con Ari Brizzi fueron parte del movimiento Arte Generativo.
También se mostraron dos artistas muy particulares como Víctor Magariños, perteneciente al grupo Arte Joven, pero con una impronta muy individual, y a Roberto Aizenberg, que navega dentro de la metafísica y el surrealismo.
Para todos estos artistas, su meca era París, donde estudiaban y se inspiraban, como así también Suiza, donde surge el Arte Concreto en la década de 1920 a 1930.
Lo más interesante de un Pop Up quizás sea la posibilidad de mostrar distintos momentos de la historia del arte argentino, de una pluralidad muy interesante sin tener que atarse a un hilo conductor ni a una idea curatorial de exhibición. Libertad absoluta para poder mostrar artistas modernos y contemporáneos que trabajan lenguajes difíciles de encasillar en un solo “ismo”, que no tienen principio ni fin. Una fiesta de artistas norteños y porteños de los últimos 90 años de arte argentino.
¿Qué es un Pop Up Sale?
El fenómeno de los Pop Up Sale surge en los Estados Unidos a fines de los 90, la tendencia se fue extendiendo de a poco a países de Europa y Latinoamérica. En todos los lugares se convirtieron en una herramienta para mostrar artistas y vender obras, aunque originalmente no se perseguía como objetivo el volumen de venta, sino el posicionamiento estratégico entre su público cautivo y sumar potenciales clientes.
Aquellos que apelan a los eventos Pop Up o temporales, se encuentran a la caza del llamado “efecto sorpresa”, ya sea por el lugar en donde se exponen las obras, como por la forma en que se exhiben. Trabajan sobre la idea de la exclusividad y la finitud de una propuesta diferente y novedosa. Las galerías buscan, por medio de los espacios temporales, crear mucha expectativa en el público.
Arquitectura de la imagen en tiempo real, de Vivian Galban. Sótano Beat La galería Rolf Art presenta “Arquitectura de la imagen en tiempo real” de la artista Vivian Galban. La propuesta consiste en una instalación interactiva que crea una cámara oscura de gran formato, donde el proceso de creación de la imagen es llevado a cabo en tiempo real. Al ingresar en esa cámara oscura, se pierde por completo la visión hasta lograr percibir la luz roja característica de la sala de revelado y tres bateas. Usando un pincel, la artista peina la imagen de manera aleatoria para conseguir un proceso de copia estrictamente manual. El resultado es muy diferente del que se piensa cuando se usa un medio digital, ya que esa toma devuelve al retratado que está observando el proceso un modo de verse muy distante del corriente, sobre todo porque las tomas se hacen sin anteojos. La copia va a proceso de fijación, luego secado y, una vez que se encienden las luces, se permite capturar la imagen con el celular. Ya seca, la imagen se integra a una galería donde se reúnen todas las tomas. Curaduría: Máximo Jacoby; “Impresiones de carbono”, de Pablo La Padula. En la Sala Vertical.
Impresiones de carbono trata sobre la construcción activa de la memoria de lo viviente y lo hace en clave de huellas estéticas como una forma de registro, como un eco de lo sucedido. En esta muestra se ensaya la percepción sensible de las formas de la naturaleza a través de la transmutación alquímica que el carbono sufre en el tamiz de la cultura humana. Se intenta crear, desde una estética científica, una visualización horizontal entre lo cotidiano y afectivo de lo vegetal, lo animal y lo insectívoro que compone y rodea al hombre. La huella que el carbón deja sobre un papel al contacto de lo viviente, así como la erosión de la luz que evidencia la sombra de un vuelo sobre una superficie fotosensible, se toman como mecánicas procesuales simétricas. Con esto, se pretende dar cuenta del derecho jurídico a la imagen, o al imago, de aquellas formas de vida que constituyen el presente por su capacidad de agenciamiento, más allá de la originalidad biológica que cada una pueda representar.
Del 27 de agosto al 30 de septiembre. Puede visitarse de miércoles a domingos de 15 a 21 , con entrada libre y gratuita.
Cultural San Martín (Sarmiento 1551). 
