Paula Otegui pinta escenas que se entrelazan y en su deriva van construyendo grandes relatos. Escenas políticas, cuadros emocionales que funcionan como una teoría sobre las relaciones humanas, las relaciones de los humanos con la naturaleza y con el tiempo. Pinta con mirada antropológica -ginocentrista, del griego antiguo, γυνή (gyné): mujer, y κέντρον (kéntron): centro. La perspectiva de la mujer como válido universal- y el curador varón se pregunta hasta dónde puede explicar lo que experimenta la artista mujer. La artista que dibuja desde chica y se hizo adulta pintando y ahora está en una encrucijada. Ya no le alcanza pintar. La habitación está en penumbra. No sabemos a dónde vamos pero sabemos que esta muestra versa sobre la imposibilidad.   Del 9 al 30 de junio. Pabellón 4 (Juan Ramírez de Velasco 556 PB)

Una muestra de Luis Pazos. Artista conceptual, poeta y periodista. Integró los grupos Esmilodonte, Grupo La Plata, Movimiento Diagonal Cero, Grupo de los 13, CAYC, Escombros. Autor de los libros objetos: El dios del laberinto y La corneta en el año 1967. Entre 2013 y 2015 expuso en las muestras colectivas: Subversive Praktiken/Practices - Wurttembergischer Kunstverein, Stuttgart (2009), Fundación PROA, Buenos Aires (2011), América Latina Photographs 1960-2013 - Fondation Cartier, París (2013), Resistance Performed - Migros Museum fur Gegenwartskunst,Zurich, Suiza (2015). Sus obras forman parte de las publicaciones Vanguardia y revolución. Arte e izquierdas en la Argentina de los sesenta-setenta de Ana Longoni (2014), Terra Incógnita Vol/3 del Museu de Arte Contemporanea da Universidade de Sao Paulo de la curadora Cristina Freire (2015), El mundo tal como es y el mundo como podría ser de Julieta González (2015), Punto Ciego. Antología de la Poesía Visual Argentina de 7000 a.C. al Tercer Milenio de The San Diego State University Press de los autores Perednik, Doctorovich y Estévez (2016). En el año 2017 el museo Centro de Arte Reina Sofía (España) adquiere algunas de sus obras más emblemáticas.   Del 18 de julio al 15 de agosto. Aldo de Sousa (Arroyo 858).

Del 29 de agosto al 30 de septiembre se inaugura La línea, el color y las formas, en Galería Centoira (French 2611). Se trata de una muestra en la que se exhiben pinturas, esculturas, objetos y grabados. Participan las artistas Patricia Martínez, Isabel Mignaquy, Ester Pérez Otaola, Teresa Giustinian y Liliana Oberti. Patricia Martínez es una artista que bucea incansablemente en su afán de encontrar colores y formas tan sutiles como hermosas. “La pintura me produce un enorme placer, dice. Al pintar, mi espíritu se expande. El arte intenta brindar al hombre momentos de goce y reflexión, sumergiéndolo en las profundidades de su propio ser, o transportándolo en dirección al infinito intento de alcanzar el horizonte, y es allí, donde la permanente referencia al concepto de lo “sublime” emerge y nos rescata a nuestra verdadera esencia”. Isabel Mignaquy fue discípula en dibujo y pintura de Daniel Dávila y continuó su formación con Ana María Oliverio y Ernesto Pesce. Trabaja el óleo y la acuarela con maestría y como artista se ubica al margen de las tendencias y las modas. Su obra transporta al espectador a un mundo onírico pleno de paz y sosiego. Ha realizado numerosas exposiciones en el país y en el exterior y en distintos salones y concursos. Ester Pérez Otaola es Profesora Nacional de Artes Plásticas, licenciada en Artes Visuales (IUNA), artista plástica y restauradora de antigüedades entre muchas otras actividades que realiza. Presenta en esta oportunidad una serie de grabados y se destacan unos maravillosos objetos escultóricos trabajados con una delicadeza que parecen flotar dentro de sus cajas de acrílico. Teresa Giustinian se formó en los talleres de Jorge Demerjian y de Carlos Gorriarena en pintura y, en escultura, con Mónica Sartori. Para las telas elige el acrílico al que ahora le está incorporando elementos como el alambre. Para sus esculturas utiliza la resina y la arcilla y le gusta investigar constantemente con nuevos materiales. Liliana Oberti es profesora el Letras en la Facultad de Humanidades y Artes de Rosario pero hace 13 años comenzó a estudiar pintura con el maestro Carlos Cañás y luego continuó con Emilio Fatuzo, Viviana Kases y Alicia Dawidson. Asistió en la UNA a talleres con Manuel Amestoy y realizó varios seminarios de Clínica de Obra. Su arte lo define como figurativo contemporáneo, donde el color tiene una gran importancia. Del 29 de agosto al 30 de septiembre. Puede visitarse de lunes a viernes de 11 a 17. Galería Centoira (French 2611).

El Complejo Teatral de Buenos Aires y el Ministerio de Cultura de la Ciudad anuncian una nueva edición de la Semana del Arte, que se llevará a cabo del 27 de agosto al 3 de septiembre en diferentes espacios de la ciudad de Buenos Aires. Se trata de un acontecimiento anual que propone transformar el espacio público de la Ciudad en una vibrante plataforma de arte contemporáneo. En esta cuarta edición se lanzó una convocatoria federal que invitó a artistas y colectivos de artistas visuales de todo el país para que presentaran proyectos de exhibición para el espacio público de la ciudad. El Complejo Teatral participa de esta plataforma artística con la muestra Natur-e del fotógrafo Alejandro Chaskielberg que se exhibe en la Fotogalería del Teatro San Martín. Esta muestra presenta un trabajo fotográfico realizado durante la pandemia de Covid-19, cuando el autor se encontraba junto con su hija en la Patagonia argentina, donde decidieron cumplir la cuarentena aislados en una pequeña casa en el bosque. La muestra invita a reflexionar sobre la naturaleza, la desbordada conectividad, la vida digital y su propia cotidianeidad. A través de sus fotos, Chaskielberg se pregunta: ¿cómo se podría representar la naturaleza atravesada por el mundo digital? ¿qué colores tendría?   Del 27 de agosto al 3 de septiembre. Puede visitarse de martes a domingos de 14 a 20, con entrada libre. Fotogalería del Teatro San Martín (Corrientes 1530).  

A través de este proyecto, Rodrigo Illescas  propone mostrar los vestigios de aquellos que en algún momento fueron pueblos vivos y que, por el cierre de las líneas ferroviarias, se vieron inmersos bruscamente en un estado de desolación y abandono. Cada uno de sus habitantes se erige a los ojos del artista como “catedrales de la nostalgia” en medio de la soledad. “El proyecto de producción fotográfica Las catedrales de la nostalgia busca inmortalizar a aquellos pueblos de la provincia de Buenos Aires que sufrieron el abandono”, dice Helena Ferronato, coordinadora de artes visuales del Complejo Teatral de Buenos Aires. “Rodrigo Illescas, a partir de una mirada estética y poética junto con una técnica precisa, busca retratar los vestigios de aquellos pueblos que hoy se encuentran al borde de la desaparición. Sin embargo, aún no han desaparecido, porque quedan habitantes y, aunque son pocos, se erigen como “catedrales de la nostalgia”, añorando un pasado dorado que hace tiempo se opacó y un presente que pareciera haber quedado suspendido en el tiempo”.   Del 20 de abril al 30 de mayo. Fotogalería del Teatro San Martín (Corrientes 1530).

Esta muestra antológica, organizada junto a la Fundación Augusto y León Ferrari Arte y Acervo (FALFAA), y con curaduría de Cecilia Rabossi y Andrés Duprat, presenta cerca de 250 obras, entre las que se incluyen dibujos, tintas, collages, grabados, objetos, heliografías, planos y cerámicas del período 1960-2011, procedentes de la colección del Museo, de la colección de la familia Ferrari y de la FALFAA. “Esta exposición ‒comenta Duprat, director del Museo‒ es un reconocimiento institucional a uno de los artistas argentinos más relevantes de la historia, creador de una obra sólida y singular, que ha sido celebrada en todo el mundo”. Prevista originalmente para 2020, en ocasión del centenario del artista, pero suspendida por la pandemia global del covid, su postergación la hace coincidir ahora con la conmemoración de los cuarenta años del regreso a la democracia en la Argentina. “Este hecho resulta significativo, ya que muchas de las obras elegidas construyen una suerte de relato de los oscuros tiempos de la última dictadura militar. Esta exposición se vuelve, entonces, un llamado a reflexionar en torno a la construcción de una sociedad sin violencia y autoritarismo, más equitativa y solidaria”, agrega el titular del Bellas Artes. “A lo largo de más de medio siglo de prolífica producción ‒explican los curadores, Rabossi y Duprat‒, una serie de preocupaciones recurrentes ‒como la religión, la intolerancia, el poder y la violencia‒ acompañaron a León Ferrari. Su posición crítica sobre la matriz cultural occidental y cristiana estuvo atravesada por la ironía y el sarcasmo. Buscaba despertar conciencias; planteaba el arte como un ‘altavoz’, un instrumento para transmitir y amplificar ideas, y reivindicaba su valor cuestionador”. León Ferrari. Recurrencias está organizada en cuatro núcleos. El primero, Abstracciones, se centra en obras que el artista denominaba “abstractas”, donde la línea es un elemento central, ya sea sobre la superficie del papel o en la trama tridimensional. La civilización occidental y cristiana, el segundo núcleo, se articula a partir de la icónica obra homónima realizada en 1965 para el Premio Di Tella, ocasión en que fue censurada por motivos religiosos. Esta pieza abrió su producción definitivamente política. Este núcleo incluye, además, “Manuscritos”, “Palabras ajenas” (1967), “Nosotros no sabíamos” (1976), “Nunca más” y “Mimetismos e infiernos”. Infiernos y otras cuestiones devotas, el tercer eje, se concentra en el estudio que Ferrari emprendió, desde la década del 80, de los textos y la iconografía cristiana. Investigó entonces la violencia de ciertos pasajes de la Biblia, y cuestionó la idea del Infierno y su representación en la historia del arte. Series como “La Basílica”, “Paraherejes”, “La Biblia”, “Proyecto contra el Infierno” y “Relectura de la Biblia” presentan, en la muestra, distintas aproximaciones al tema. El último núcleo, Ciudades y arquitecturas de la locura, despliega planos y urbanizaciones que exhiben aspectos ilógicos e irracionales de la sociedad moderna. Estas obras se produjeron durante el exilio del artista en San Pablo, a partir de 1976. Allí, experimentó con nuevos medios, como heliografía, sellos, planos, Letraset, video texto, arte correo, expresiones con las que manifestó la enajenación de esos espacios habitables y expuso la opresión de los terribles años de la dictadura militar argentina. Además, en la sala, se proyectará de forma continua el documental Civilización (2012), dirigido por Rubén Guzmán, que recorre las ideas del artista y su producción a través de material de archivo inédito, entrevistas exclusivas y el registro audiovisual de Ferrari mientras realiza una obra original especialmente para este filme. Como parte de la muestra, también se exhibe la escultura lúdica “Berimbau” al aire libre, en los jardines detrás del edificio del Museo. Simultáneamente, en el segundo piso, continúa hasta el 28 de mayo Fotografías de Augusto Ferrari en la colección del Bellas Artes, la muestra que el Museo dedica a la obra del pintor, arquitecto y fotógrafo nacido en Italia, y padre de León.   Del 17 de mayo al 13 de agosto. Puede visitarse de martes a viernes, de 11 a 20, y los sábados y domingos, de 10 a 20, con entrada libre y gratuita. Museo Nacional de Bellas Artes (Av. del Libertador 1473).

Una nueva exposición que reúne a diecinueve artistas argentinos contemporáneos cuyas obras giran en torno a la espiritualidad. Se trata de una exploración sobre la práctica artística en el nuevo milenio, un momento en el que, en una trama ecléctica y a veces contradictoria, conviven las antiguas cosmovisiones orientales y amerindias, la meditación, las terapias holísticas, los esoterismos, la homeopatía, el neochamanismo, la astrología y el budismo. Los artistas participantes nacieron en su mayoría entre fines de los setenta y los ochenta, e ingresaron a la escena artística entrados los 2000. Están marcados por el fervor de la primavera alfonsinista, la burbuja de la convertibilidad y el estallido económico, social y político del 2001, que se convirtió en la clave para leer lo que ocurría en el terreno del arte en esos años. Son quienes reciben el legado del Tao del Arte, la exposición curada por Jorge Gumier Maier en el Centro Cultural Recoleta en 1997. Allí, en el texto curatorial, entre Osho y el Tao de la física de Fritjof Capra, aparecía condensado el paradigma estético de esos años. Son también los jóvenes que atraviesan de lleno los tiempos de un tipo de espiritualidad que en sus inicios se presentó como alternativa. Desde hace varios años, la bioenergética y el coaching arrinconan al psicoanálisis, el tofu gana terreno sobre el bife de chorizo y el yoga compite con la gimnasia localizada. En las listas de best sellers, los libros de autoayuda comparten espacio con enciclopedias sobre hongos y guías astrológicas de lo más sofisticadas. Chamanes, gurúes e investigadores en ciencias sociales nos instan a reconocer y homenajear a Gaia y la Pachamama. ¿Cómo impacta y nos constituye la superposición de creencias, prácticas y saberes muchas veces ancestrales que conforman eso tan inasible que podríamos llamar espiritualidad contemporánea? En palabras de la curadora Lara Marmor: “La incorporación de hábitos atravesados por discursos que celebran la autoconciencia, la vida sana y la positividad habilita una experiencia más libre del deseo y el placer, en las antípodas del peso que tienen la culpa, el pecado y el sacrificio en las religiones tradicionales de Occidente. La transformación personal y social, asunto que pivotea entre el individualismo neoliberal y el asociacionismo comunitario de los diversos activismos, cobra una presencia inusitada (...) Abiertas a la experimentación, estas obras rompen los binomios: hombre/naturaleza, racionalidad/espiritualidad, mente/cuerpo, y a partir del humor, la ironía o la búsqueda espiritual más profunda dan cuenta de que energía y fuerza transformadora son fundamentales, hoy y acá, en estos momentos de cambio”.   Del 14 de julio al 13 de noviembre. Entrada general, 1.600; estudiantes, docentes y jubilados, 800. Miércoles, entrada general, 800 pesos y estudiantes, docentes y jubilados, sin cargo. Malba (Figueroa Alcorta 4315).